Актриса Рыкунина 50 лет своей жизни посвятила Московскому театру кукол. Пришла, как рассказывает сама – по объявлению в «Вечёрке», и с тех пор никуда не уходила. И хотя, получив школьный аттестат, юная Рита мечтала об эстраде, попав в московский театр кукол, она ни о чём не пожалела.

Рыкунина с азартом служила театру в периоды его расцвета, и стойко переживала вместе с ним все периоды турбулентности. В 19 лет молодую Риту, или Маргариту – назначили заведующей труппы. Как юной актрисе удалось совмещать карьеру и административные обязанности – в голове укладывается с трудом. Труппа в тот момент насчитывала 68 человек, среди которых были заслуженные артисты, что должно было бы смутить Рыкунину. Но Маргарита, если и испугалась, то лишь на мгновение, и со свойственной ей педантичностью и куражом взвалила на себя эту нелёгкую, а подчас и неблагодарную работу.

В должности заведующей труппой Маргарита Васильевна проработала ни один десяток лет, не переставая при этом репетировать, играть, гастролировать. И как завтруппой ей не было равных. Она разруливала репетиции, разводила составы, обеспечивала равномерную занятость артистов, могла дать дельный совет режиссёрам по распределению артистов на ту или иную роль, но при этом всегда сохраняла тактичность и никогда никого из артистов не навязывала. В её голове, как в картотеке, всё было чётко. Характеристики артистов были внятными и безоценочными – только факты и ничего личного и лишнего.

За 50 лет работы в театре у Рыкуниной было множество спектаклей, и ещё больше ролей. Одна из них – совершенно особенная. Роль Папы в спектакле Л. Хаита «Каштанка и Слон». Жанр циркового представления позволил осуществиться юношеским мечтам Рыкуниной об эстраде. В образе отца девочки Нади, актриса перевоплощалась до неузнаваемости. Именно с этим спектаклем тогдашняя труппа Московского театра кукол объездила множество стран, а спектакль вошёл в золотой фонд театра. В концерте к 95-тилетию театра Маргарита Васильевна вновь примерила на себя образ из легендарного спектакля, выйдя на сцену в тандеме с артистом Иваном Федосеевым, который исполняет роль отца Нади в спектакле Н. Пахомовой «Слон». Рыкунина бережно сохранила костюм и реквизит одной из своих самых любимых ролей. Узнать в трогательном, растерянном мужчине с чаплиновской пластикой Маргариту невозможно. Актриса умело взяла в оборот все нюансы, которые продиктовали костюм и маска, и подкрепила это точной, эксцентричной пластикой, сумев при этом сохранить весь драматизм растерянного отца, дочка которого мечтает о живом слоне. «Дайте мне маску, и я сыграю всё, что угодно», – говорит Маргарита Васильевна сама о себе.

Маска или кукла – не имеет значения. Рыкунина одинаково трепетно относится ко всем своим ролям. С 2011 года она бессменный исполнитель роли графа Вишенки в спектакле А. Аладухова «Чиполлино». Исполняя эту роль много лет, каждый раз актриса привносит в неё что-то новое, да так, что, сидя в зрительном зале, хочется отвлечься от истории мальчика-луковки и узнать более подробно историю графа Вишенки. В этом вся Маргарита – она не может существовать в жёстких рамках долго, её фантазия в какой-то момент может взять верх над режиссёрским замыслом и занести актрису, как говорится «не туда», но это «не туда» говорит лишь о постоянном творческом поиске, «думаньи» над ролью, даже если спектаклю много лет.

Обладая низким звучным голосом, Рыкунина абсолютно неузнаваема в спектакле О. Минаечевой «Курочка Ряба» в роли бабки. Её бабка трогательна в заботе о деде и всех жителях известной сказки, к каждому персонажу у неё своё отношение, проявляющееся не только в интонациях и голосоведении, но и в точной работе с мимирующей куклой.

Если заглянуть за ширму, то становится понятным, насколько сложно артистам существовать в заданном художником пространстве. За ширмой не просто мало места: её высота такова, что приходится перемещаться на табуретках, чтобы соблюдать уровень кукол. Такая координация давалась не легко даже молодым артистам, но Рыкунина справляется с этой задачей наравне с молодёжью, при этом с юмором комментируя их общее незавидное положение.

Каждая из немногочисленных на сегодняшний день ролей Рыкуниной – запоминающаяся по-своему. В спектакле Б. Константинова «Поехали» её Кот Васька, друг и совесть Ваньки, ироничен и трогателен одновременно. В момент, когда Ванька выгоняет кота из дома, чувствуешь щемящую тоску. «Разлука ты разлука!», – поёт персонаж Маргариты Васильевны пронзительным голосом, и эти интонации заставляют и маленького, и взрослого зрителя испытывать те же эмоции, которые испытывает несправедливо выгнанный кот. И тем сильнее общая радость, когда Васька возвращается домой.

Даже её Варежкину из «Школы снеговиков» режиссёра О. Минаечевой – сочувствуешь, когда он «вляпывается» в леденцовую историю, столь жалобно и нелепо он причитает, так смешно, трогательно и по-детски пугается, – вызывая у маленького зрителя чувство отождествления себя с непутёвым снеговиком.

Рыкунина – актриса хоть и с характером, но не капризная. Она с радостью откликается на любые творческие предложения. Так её Агафья Тихоновна в эскизе лаборатории МТК.next по монопьесе А. Володина соединила в себе статную фактуру, низкий голос и трогательный хрупкий образ нарумяненной свёклой невесты. Актриса не любит живой план, чего, собственно, и не скрывает. В эскизе, появляясь на сцене в джинсах и рубашке (привычной для себя одежде), разгоняя звучным голосом всех собравшихся репликой: «Я – Агафья Тихоновна», актриса с нанесением грима и появлением фаты (которые и стали в эскизе той самой любимой Рыкуниной маской) моментально преображалась на глазах у зрителей, и её монументальная пластика становилась гротескно-девичьей, иронично-точной в рамках заданного образа.

Без Маргариты Васильевны не обходится ни одна Новогодняя компания театра. Её сказочные злодеи всегда имеют и чёткую мотивацию, и свои человеческие слабости.

Рыкунина из тех людей, кто обладает неисчерпаемым запасом энергии и быстротой реакции. У неё всегда и для всех найдется острое словцо или ироничный комментарий. Её энергии хватает не только на театр, которому она посвятила всю жизнь, но и на семью, сад и домашних питомцев. Широта души – ещё одно качество, присущее актрисе. Если уж осень, то в театре и яблоки, и сливы, и груши в избытке: Маргарита Васильевна везёт с дачи гостинцы своей театральной семье. Если уж собака – то четыре, а то заскучают двенадцать кошек, попугай и черепаха. А ещё Маргарита Васильевна пишет стихи, в которых лихо иронизирует на различные жизненные ситуации. А может быть в этом и есть секрет? Актриса словно запустила круговорот энергии. И чем больше она её тратит, тем больше её появляется, главное, расходовать с умом, не в пустую, а рационально.

Такие верные театру люди – уже редкость. Маргарита Васильевна всегда была со своим театром рядом. Всегда старалась и старается быть нужной и полезной здесь и сейчас, и уж если за что-то берётся, то делает это на совесть.

Наталья Пахомова

Персонажи Антона Чалыша требовательны к себе и окружающим, в чем-то чрезмерно. Это свойство исходит от самого актера. Не случайно Наталья Пахомова в спектакле «Синдбад-мореход» предложила именно ему роль Бурхана Рассудительного. Такая игра распределения в духе режиссера.

Подобное отношение к делу помогает Антону существовать в профессии на долгой дистанции. Почти 20 лет работу в МТК – это время тотальной смены команд, турбулентности в коллективе, переформатирования, творческих побед и экспериментов. И за это время не было такого, чтобы актер остался без ролей. Его личность – важная краска в актерской палитре МТК этих сезонов.

Возможно, впереди у Антона может сложиться карьера педагога, но он точно не спешит с этим. Интересно, что сейчас он часто и убедительно играет учителей. Или персонажей, склонных поучать. Среди них можно вспомнить, например, Владимира Ивановича Немировича-Данченко в «Гиньоле имени Станиславского». В руках Чалыша он, даже будучи перчаточной куклой, комической по своей природе, не теряет своей представительности и погруженности в дело всей своей жизни.

Мистер Картрайт, учитель из «Мучных младенцев» в исполнении Антона Чалыша, не упустит повода иронично поддеть ученика, напрямую взаимодействуя с аудиторией. В роли класса – зрители камерного спектакля Натальи Пахомовой «Мучные младенцы» по книге Энн Файн, которую режиссер инсценировала сама. Все персонажи носят на голове картонные коробки-маски, но у учителя – настоящая броня. Большая картонная коробка как будто от холодильника становится костюмом педагога, который год от года общается с самым отсталым классом. Тихий голос и семенящая походка не делают его персонажа слабым, он специально не делает ничего, чтобы испугать, напротив, он демократичен в проектной деятельности с учениками, но его инстинктивно побаиваешься. Понимание Картрайтом, с кем приходится работать, вызывает у него не сколько досаду и безысходность, сколько иронию, пусть и горькую.

Кажется, что прилагательное «педантичный» не вяжется со словом «талант», но у Антона именно такое дарование, склонное к щепетильности. Точная работа с куклой отличает все его работы. В юбилейной премьере театра «Волк и семеро козлят»/, кукольной опере в постановке Натальи Пахомовой, Чалыш играет две роли: козленка Реву и музыканта Соловья, кстати, тоже педагога. Оба персонажи обстоятельны и аккуратны, первый в своем нытье, второй – в подаче материала.Точные интонации и жесты даны, насколько это возможно, в мельчайших подробностях: постепенно в плачущих интонациях становятся слышны смелые нотки, и вот уже Рева проговаривается, что не испугался, когда его съел Волк. Проговаривается и тут же спохватывается: расстроил папу. Так взрослеют. А взмах крыльев Соловья точен как позиция дирижерской палочки, при этом в таком жесте персонаж не скрывает удовлетворения от педагогической победы и разрешает себе подчеркнуто властно продемонстрировать его ученику.

Даже зло в исполнении Чалыша не просто наказывающее, а поучающее. Тревога и забота – две составляющие характеров Чернавки в «Сказке о мертвой царевне и семи богатырях» и Домового в «Путешествии Нильса с дикими гусями». Оба персонажа трудолюбивы, отсюда немного сутулы в своем кукольном воплощении. Все должно следовать положенному ему порядку, даже когда этот порядок не совсем нравится самому персонажу. Чернавка бережно уходит в лес, поддерживая куклу Царевны. Домовой в образе ворона Батаки неустанно следит за Нильсом, фиксируя все нюансы его взросления.

Чалышу идут роли рассказчиков. Повзрослевший Кай в моноспектакле «Снежная королева» режиссера Майи Краснопольской пытается разобраться, как Герда смогла преодолеть все препятствия. Дроссельмайер в «Волшебном орехе» в постановке Натальи Лебедевой воплощает сказку в жизнь, с помощью подарков и намеков провоцируя крестников на необходимые действия. Но рассказчик – не всегда хозяин истории. И что-то всегда может пойти не так. Такие препятствия не то чтобы бесят, но неприятно озадачивают персонажей Чалыша. В приключениях – для них – не так много радости, как кажется.

Но все это не означает тотального серьеза сценического существования. Прищур актера может быть как всезнающим, так и самоуверенным. Например, Нильс исправился, и пусть осадок остался, стоит его расколдовать: так действует Домовой. Чувство юмора Чалыша не искристое и витальное, актер может позволить своим персонажам быть злым, но эта злость не мешает оставаться честными.

Алексей Гончаренко

Марина Мухаева – актриса, у которой с Московским театром кукол случился счастливый (пусть и с поправкой) роман. Сразу после окончания института молодая, музыкальная, энергичная, миниатюрная Марина оказалась в театре востребованной. Мари в «Щелкунчике», Герда в «Снежной королеве», Элли в « Волшебнике Изумрудного города» – все заглавные роли любимых детских сказок – достались ей.  Возможно, столь ранняя ответственность за сквозную линию в спектаклях (когда нужно не просто эффектно появиться в своей сцене, или в характерном эпизоде, а быть стержнем спектакля) и сформировали Мухаеву как актрису подробную, вдумчивую, смелую, слышащую, предлагающую. 

В период реорганизации МТК  Мухаева уходила из театра, но к обоюдной радости и театра и актрисы – вернулась. Исполнив роль Певуньи в спектакле Н. Пахомовой «Крабат, ученик колдуна», Марина начала новый путь на родной сцене. 

Певунья – единственная женская роль в спектакле, при этом возникающая на сцене лишь в финале. Перед актрисой стояла задача со звёздочкой –  за три появления, два из которых – это проходки с песней  через зрительный зал, выйти на финальную сцену, где её героиня готова принести себя в жертву за любимого. Та цельность, решимость и наполненность, с которой она поднималась на сцену в финале спектакля, завораживала зрителя и вызывала уважение у коллег.  Во взгляде Мухаевой была целая жизнь, прожитая «за кадром» спектакля. В партнёрстве с Евгением Ильиным в роли Крабата и Евгением Казаковым в роли Мастера Мухаева давала зрителю возможность пережить весь спектр эмоций, которые испытывала её героиня: любовь, страх, жертвенность, боль, веру, надежду. Всё то, что в ранней юности Мухаева выстраивала в спектаклях от сцены к сцене, следуя за сюжетом автора, идеей режиссёра, поступательно ведя зрителя от начала истории к финалу, –  в «Крабате» актрисе нужно было прожить и выстроить во время спектакля безотносительно партнёров. Помимо роли Певуньи актрисе приходилось делать так называемые «помощи», что значительно усложняло ей жизнь. Где-то незаметно проползти под тканью; где-то подняться на технический балкон для того, чтобы отбить на барабане ритмическую партитуру; где-то во время сцены надеть куклам маски и крылья; из костюма Певуньи переодеться в чёрный бархат, колпак, перчатки и обратно. Но ни разу актриса не вышла на финал, как это говорят, «пустой». За два часа спектакля и бесконечных переодеваний она умудрялась прожить всю историю Крабата и Певуньи, прописанную у Отфрида Пройслера. Роль Певуньи стала для Мухаевой достойным финальным аккордом в исполнении лирических героинь и ознаменовала переход актрисы в роли другого возрастного плана. 

Заглавных ролей стало меньше. Характерных и отрицательных – больше. И вот в спектакле «Волшебный орех» режиссёра Н. Лебедевой актриса исполняет уже не роль Мари, а роль Королевы Мышей. Её Мышильда не просто воплощение зла – Мухаевой удаётся сделать образ многогранным и человечным. «Материнская боль» является в исполнении актрисы мотивом для мести родителям принцессы Пирлипат.

Говоря о Марине Мухаевой, невозможно обойти вниманием бесчисленных Лисиц в исполнении актрисы. Можно только удивляться, насколько точно актриса попадает в маску каждой конкретной куклы и насколько все её Лисы разные по характерам.

Лисиц в исполнении Мухаевой просто невозможно заподозрить в чём-то плохом, и даже если хорошо знаешь сказку, в какой-то момент начинаешь отчётливо верить, что именно Лиса – сторона пострадавшая, настолько  точно  голосово, интонационно, музыкально актриса, играя Лисиц в разных спектаклях, плетёт свои сети.

Музыкальность – особое свойство Марины Мухаевой. Грузинские корни актрисы помогают ей и в этом смысле тоже выделяться из труппы МТК. Марина свободно строит многоголосия и не боится сложных музыкальных ходов, являясь опорой для менее опытных коллег. В спектакле Валерия Баджи «Маяковский детям» Мухаева поёт на родном грузинском языке. Она перевела партнёрам тексты песен, чтобы и они понимали то, о чём поют, но именно слушая пение Мухаевой, испытываешь ощущение бескрайности и невероятной цельности происходящего. Марина никогда не поёт просто ноты. Её пение осмысленно, прожито, пропущено через себя. 
Ария Акки из Кебнекайсе композитора И. Болгова в спектакле Н. Пахомовой «Путешествие Нильса с дикими гусями» заставляет зрительный зал плакать независимо от возраста, столько житейской мудрости, света, надежды и щемящей материнской тоски вкладывает в неё Мухаева. Актриса очень умело прикладывает свой личностный опыт к профессии. Акка в её исполнении ведёт Нильса не просто обратно домой, а как заботливая мать проходит с ним все самые сложные фазы пубертата со всеми его проявлениями. 

Её Крольчиха в кукольной опере «Волк и семеро козлят» диаметрально противоположна Акке. Не имея семьи и  крольчат, она выплёскивает своё раздражение на семерых козлят и невольно плетёт интригу, помогая Волку в его коварных планах. Из белой пушистой Крольчихи актриса мгновенно перевоплощается в существо озлобленное и коварное, а ещё через короткое мгновенье – в существо раскаявшееся. И в этих стремительных перевоплощениях нет пропусков. Каждый переход внутренне оправдан. При этом нельзя говорить о том, что создание каждой роли даётся актрисе легко. Марине Мухаевой «легко» было бы не интересно. Она ищет нюансы даже в хрестоматийно понятных вещах: примеряя и переосмысляя. Премьерные спектакли с ней лучше смотреть, начиная с четвёртого-пятого. Количество спектаклей, сыгранных на зрителя, делает роли в исполнении Мухаевой более точными, потому что она не останавливается после премьеры, а словно начинает новый подъем, в котором приобретаются ещё более точные нюансы. Отталкиваясь от зрителей и партнёров в режиме «спектакль» актриса приобретает хорошую уверенность, что обогащает её роли и позволяет делать их более многогранными. Премьера для неё – всего лишь начало пути.  

Открытая к творческому поиску, Марина – участница лаборатории МТК.next. Её Агафья, рассказывающая известный всем сюжет то на грузинском, то на русском языках,  запомнилась и зрителям и партнёрам по сцене. В паре с Екатериной Нахабцевой в ролях тёти Кати и тётушки Марины актрисы провели не один фестиваль на сцене МТК. 

Марина тот партнёр, которого сложно вывести из себя. Она всегда сохраняет здравый смысл, который соседствует с самобытным юмором и иронией по отношению к себе и к делу, которым она занимается. Мухаева в отличие от многих актрис не боится возрастных перемен, а с вызовом их принимает. Поправляя очки, называя себя «тётей Мариной», переписывая каждую роль в отдельную тетрадь, актриса продолжает с актёрским азартом каждый день приходить в театр, с которым у неё самый настоящий роман. 

Наталья Пахомова

Один из персонажей Евгения Ильина в Московском театре кукол назван Голос театра. В «Гиньоле имени Станиславского» режиссера Натальи Пахомовой на ширме суетятся перчаточные куклы Станиславского, Ермоловой, Щепкина и других гениев прошлого, а все происходящее комментирует ироничный все понимающий голос. Текст отталкивается от произведения Карла Чапека «Как ставится пьеса», и в интонациях актера заметен как предпремьерный нерв литературного первоисточника, так и твердое убеждение, что все в итоге сложится.

Другое воплощение духа театра Ильин сыграл в спектакле «Золотой ключик, или Приключения Буратино». По идее режиссера Олега Русова сказку разыгрывают бродячие актеры, и Евгений Ильин играет кота Базилио, пуделя Артемона и Карабаса-Барабаса. Плут, верный друг и уязвимый тиран – воплощение театральности, основных характеров комедии дель арте. Режиссер Светлана Дорожко ставит спектакль «Огниво» тем же приемом театра в театре, в этот раз силами бродячей труппы имени Г.Х. Андерсена, и персонаж Ильина здесь безусловный премьер. Благородство солдата – свойство его сценического амплуа, И добро у Ильина не менее твердое, положительный персонаж не теряет ноток уверенности, его голос всегда услышан и узнаваем во всех смыслах этих слов.

У Карабаса – свой взгляд на театр, старомодный, но принципиальный. История о Буратино делает из него зло. Так называемые отрицательные роли приходят к Евгению Ильину часто. Мастер в «Крабате – ученике колдуна» Натальи Пахомовй – зло уже абсолютное. Хотя в спектакле “Аладдин” Амира Ерманова актер делает еще один шаг, к персонажу, не понимающему разницу между добром и злом. Именно Джафар, а не Аладдин становится главным героем спектакля. Евгений Ильин играет его человеком с нечеловеческими страстями. Одна их запоминающихся сцен спектакля – свадьба Аладдина и Будур с яркими восточными танцами, во время которых переодетый Джафар сидит незамеченный на авансцене. Оставаясь наблюдателем он не бессмысленно ревнует, а уверен, что случится реванш. Наверно, в прошлом он мог любить, но гнетущее одиночество шаг за шагом привело его к гордыне и поражению.

Никто не вспомнит ни добрым, ни даже злым словом о Мастере или Джафаре после их исчезновения, забудут быстро. Персонажи Ильина часто одинокие, заслуженно или нет, исключительные, а поэтому исключенные. При этом в его актерском арсенале его уникальное умение играть настоящую дружбу. «Сказка с закрытыми глазами “Ежик в тумане”» в режиссуре Натальи Пахомовой – спектакль ансамблевый. И Евгений Ильин в роли Медведя не только проявляет тонкое чувство партнерства, но и играет трепетные отношения между персонажами. И это сильное чувство, близкое подлинной любви. Даже подсчет комариков предстает важным совестным опытом трех близких, хочется написать, людей. В спектакля для незрячих Медведь – большая кукла, который не только философствует и сумерничает, но и общается со зрителями, утыкаясь в них кожаным носом.

Евгений Ильин – артист, для которого важна логика текста, и он умеет донести ее. В нескольких спектаклей последних сезонов он играет рассказчика, вернее посредника между самой историей и зрителе, персонажа с правом и возможностью освоения авторского текста. Это не импровизированный интерактивный диалог с залом, а момент, когда зал слушает текст, обращенный непосредственно к нему. Таков Дюпен в «Эдгаре По. Следствие».

Трюк с появлением и исчезновением яблока в его руках, а потом с газетой, из которой при сворачивании выжимается вода – не заигрывание со зрителям, а со-настройка внимания и доверия. В спектакле Амира Ерманова по пьесе Анны Богачевой реальность писателя переплетается с его произведениями так, что нельзя сказать, кто ведущий, а кто ведомый, автор или его персонаж. Эдгар По в исполнении Александра Семенова переживает смерть жены на фоне отсутствия публикаций. Но до выхода книги персонаж уже родился и готов к сепарации от автора.

Логика не теряет силы даже в нереальные моменты. Заглавная героиня в спектакле «Каштанка» Амира Ерманова – огромный верстак: такой собака видит себя во сне, что уместно в окружающем мире столярной мастерской. Если бы она была человеком, то, наверное, подумала бы: «Нет, так жить невозможно! Нужно застрелиться!». В спектакле МТК есть актриса, которая в живом плане представляет душу Каштанки – Ирина Овсянникова. Она читает ее мысли. Но текст про «застрелиться» режиссер оставляет не ей, а вместе с пистолетом передает Евгению Ильину, который в партнерстве с Дмитрием Заставным, Александром Принцевым и Яковом Роткиным управляет огромной куклой Каштанки. В его руках голова, он корифей этого хора.

Есть у Ильина и комическая роль. В спектакле «Слон» Натальи Пахомовой по рассказу Куприна он играет Няню. Это ввод. Высокая нелепая героиня с ее маской не создавалась с расчетом на фактуру актера, но на удивление точно ей откликается. В немом кино попадаются такие дамы с вытянутым лицом, в котором застыло не удивление, а усталость от сострадания. Няня постоянно больной девочки нервна, поэтому постоянно всплескивает руками, а когда не всплескивает, капает себе какое-то успокоительное, после которого ее передергивает как болванчика. Няне не нравится ее удлиненная вертикаль, и она старательно ее нарушает, хотя бы наклоном головы. И Слон для нее – не как для всех. Не спасительно чудо, а нарушение распорядка и лишние люди, которые заваливаются зеваками и сопровождающими. Но вот хобот протягивает ей цветок, и этот жест примиряет Няню с действительностью. Дай Бог памяти, когда ей дарили цветы.

Минотавр – роль, которая родилась во время лаборатории МТК.Next как самостоятельная работа и была доведена Натальей Пахомовой до премьеры, Не просто миф, но баллада Фридриха Дюрренматта. Взгляд на античный сюжет автора-пессимиста из середины ХХ веке. В этой версии лабиринт зеркален, и существо, чудовищное дитя Посейдона и Пасифаи, видит свои отражения, не зная что они такое. И тогда он начинает ощущать себя из предводителем и богом.

Евгений Ильин появляется в начале спектакля из зрительного зала и аккуратно выходит на сцену, чтобы начать рассказ о существе, в которое ему предстоит вскоре перевоплотиться. Ноги постепенно обрастают шерстью, появление по очереди одного и второго копыта приводят персонажа сначала к хромоте, потом к тяжелому шагу, который уже четко и слаженно повторяют отражения. В финале Тесей в такой же бычьей маске наносит свой роковой удар, тело Минотавра падает. Последний авторский текст про прилетевших падальщиков актер произносит, снимая маску и неторопливо развязывая копыта-котурны. Аккуратно сложив костюм, он так же тихо, как и появился, уйдет в темноту зрительного зала. Познание, что такое жизни и что такое смерть стоит дорого, но эту цену уже заплатили персонажи Ильина. Теперь они приглашают зрителей в свой внутренний лабиринт, чаще всего в зеркальный. Но там актер остается внимательным проводником, чтобы в финале не просто не бросить зрителей, но всем вместе открыть выход.

Алексей Гончаренко

Если не знать по именам женский состав труппы Московского театра кукол, а просто смотреть на фотографии, то Любовь Добрецову вы узнаете сразу и у вас не будет никаких сомнений, что это именно она. Ведь не зря бывают говорящие фамилии. С фотографии на вас будет смотреть харизматичная женщина с искрящимися добротой и теплом глазами. В этом взгляде сохранилось что-то, что родом из детства: задор, смешинки и предвкушение чего-то нового.

В Московский театр кукол актриса пришла не так давно, при объединении Московского театра кукол с Московским детским камерным театром. И хотя слияние двух коллективов дело непростое, Любови Добрецовой этот переход дался легко. Причиной этому, как мне кажется являются личностные качества актрисы. Она уж точно не страдает социофобией и склонностью к депрессии. С радостью знакомится с новыми людьми, готова участвовать в любых проектах, будь то читки, лаборатория или театральный капустник. И всё это она делает с азартом, которому может позавидовать даже молодёжь.

На юбилейном вечере, посвящённом 95-тилетию Московского театра кукол, её короткий выход в паре с Маргаритой Рыкуниной под песню Муслима Магомаева «Королева красоты» запомнился всем без исключения. Выход продолжительностью 40 секунд от общего сценического действия. Добрецова, как говорится, зажгла. Столько энергии и драйва, столько радости от выхода на сцену к зрителю, что становится грустно, что сейчас Любовь Добрецова не востребована. Проблема занятости в премьерных спектаклях заключается не в актрисе, которая ждёт новых ролей с нетерпением и поддерживает свой актёрский инструмент в тонусе, а в режиссёрских распределениях. Сама Добрецова говорит, что верит в чудо, и надеется, что всё ещё впереди.
Безусловно, у нее есть спектакли и роли, оставшиеся от репертуара Камерного театра, а вот новых творческих открытий пока не случается. 

Чудо ли привело маленькую Любу во Дворец Пионеров в Аничковом дворце, тогда ещё Ленинграда? Или, как говорит сама актриса, «Вселенная»? А может быть, просто счастливый случай позаботился о том, чтобы мест в хоровом кружке не оказалось, и маленькая девочка, широко раскрытыми глазами глядящая на мир, оказалась в кружке, где занимались театром кукол? Сейчас это не важно. Главное, что мама, взяв дочкину руку в свою, в нужное время привела её в нужное место, где начался творческий путь замечательной актрисы.

К слову, Дворец пионеров в Аничковом дворце во все времена был своеобразной колыбелью для будущих артистов. Многие воспитанники успешно поступали и поступают в театральные ВУЗы и не теряются в многообразии лиц. Не затерялась и Любовь Добрецова. Когда пришло время, она поступила в ЛГИТМиК на факультет театра кукол к С. Жукову – мастеру, имя которого стало определённым брендом среди профессионального сообщества. «Я – жуковский», произносят выпускники с гордостью, уважением и душевным трепетом. Возможно, окончив мастерскую С. Жукова, Любовь Добрецова осталась бы в городе на Неве и заняла бы достойное место в труппе театра марионеток им. Е. Деммени; но жизнь, как известно, полна самых неожиданных сюрпризов – и будущей актрисе пришлось переехать в Москву.

В Москве она столкнулась с отсутствием профильного образования по специальности «актёр театра кукол» и перевелась в Ярославль, где в то время преподавал И. Зайкин, организовавший в ЯГТИ кафедру театра кукол. С.Жуков и И. Зайкин – мастера, отличавшиеся человеческой скромностью, не громкие, преданные своей профессии, вовлечённые и погружённые в студента. Оба они смотрели в самую суть своих учеников, воспитывали и заставляли трудиться прежде всего их души, и оба этих исключительных мастера своего дела не смогли пройти мимо Любови Добрецовой. Казалось, всё складывается как нельзя более удачно, но очередные жизненные катаклизмы заставили будущую актрису сорваться с места и вернуться в Москву.  Актёрский диплом Любовь Добрецова получила как актриса драматического театра и кино. Работала в концертных организациях, на телевидении, но своей любви к куклам не изменила.  И, наконец, нашла свой творческий дом, свою семью в Детском Камерном театре кукол, основанным В.Елисеевым. Камерному театру актриса подарила тридцать лет своей жизни, сыграв множество разноплановых и запоминающихся ролей. Некоторые из них в исполнении Любови Добрецовой можно увидеть и сейчас на разных площадках Московского театра кукол.  Это мать Якоба в «Карлике Носе» в постановке С.Железкина; Любовь Любимовна   «Му-му» в спектакле А. Борока; Сова в «Знакомьтесь: Винни Пух», Буратино в «Притче о деревянном сыне», Курица в « Кошкином доме», Рассказчица в «Маленьком еноте» режиссёра В.Баджи.
Отдельно хочется отметить роль Мисс Эмни в «Кентервильском приведении». В этом же спектакле Добрецова играла роль Миссис Отис, взбалмошной американки, и не так давно перешла на роль совершенно другого плана – верную дому Кентервилей, суеверную англичанку мисс Эмни. И если в роли Миссис Отис актриса работала как куклой, так и живым планом, то в роли чопорной экономки Мисс Эмни актриса работает только тростевой куклой, и делает это точно, с любовью к этой непростой системе.  

При объединении театров была запущена третья лаборатория МТК.next, основной задачей которой, по замыслу кураторов Натальи Пахомовой и Алексея Гончаренко,  было объединить артистов из двух самодостаточных трупп в работе над эскизами спектаклей. Эскиз Любови Добрецовой был одним из самых неожиданных. В качестве литературной основы она, как идейный вдохновитель творческой группы, выбрала сказку М.Е.Салтыкова-Щедрина «Чижиково горе».  Лаконичное решение в стиле бумажного театра позволило заложить множество трансформаций пространства и персонажей за счёт пластичности бумаги как выбранной фактуры. Этот же осознанный минимализм сделал текст М.Е.Салтыкова-Щедрина более объёмным и острым. Так как Добрецова являлась творческим двигателем этого эскиза, то стало понятно, что актриса она думающая, с хорошим вкусом и с точным пониманием того, как те или иные выразительные средства применимы в театре кукол.

Я точно знаю, что мечты имеют свойство сбываться, а чудеса в жизни, конечно же, случаются,  особенно, если не просто веришь, а каждодневным трудом доказываешь свою готовность ко встрече с мечтой.  И новый сюжетный поворот в жизни актрисы случится уже в конце этого сезона, когда Любовь Добрецова начнёт репетировать в новом спектакле большой сцены Московского театра кукол.  

Наталья Пахомова

Персонажи Оксаны Ильчук скромны и женственны, но в трудную минуту забывают о сомнениях и уверенно берутся за решением проблем. Или со всей скрытой мощью стремятся к собственному счастью. И тогда это личное напрямую зависит от благополучия близких: хорошо должно быть всем вокруг. Растерянность – кульминация роли, когда героини актрисы становятся ответственными. В эти моменты в них всегда проглядывает стать, которая не мешает, а напротив, дает основу широким жестам, которые еще можно назвать движениями «от души». И в этой женственности, и в скрытых возможностях есть что-то земное, узнаваемое, близкое.

В «Сказке о мертвой царевне и семи богатырях» заглавная героиня в белом платье, словно цветущее деревце, смиренно застывает в перспективе то свадьбы, то смерти. В постановке режиссера Натальи Пахомовой и художника Евгении Шахотько по пушкинской сказке куклы двигаются плавно, каждая по своей траектории, и в этой размеренности Царевна чувствует себя на своем месте.

Спектакль для подростков «Мой внутренний Элвис» по книге Яны Шерер Оксана в центре композиции. Она исполняет главную роль, всех остальных персонажей «роуд-муви», встречающихся на пути Антье, играет с куклой или в живом плане Александр Шадрин. В лаборатории МТК.Next Ильчук была инициатором этого эскиза, который стал спектаклем. Толщинки костюма поначалу закомплексованного подростка сделаны ее собственными руками, история самопознания героини происходит на фоне лишнего веса. Ощущение лишнего вообще во многом определяет поведение героев. Давая разрешение Элвису не воскресать, Антье одновременно разрешает и себе выбирать делать то, что хочет.

Про актеров часто говорят, что они не боятся на сцене быть смешными, это звучит как комплимент. Ильчук скорее боится быть на сцене исключительно лиричной. Трудно отказаться от привычного разделения на амплуа как минимум в оппозиции «героиня» и «характерная». Актриса умеет совмещать обе ипостаси в одной роли.

«Путешествие Нильса с дикими гусями» и «Умник» дали возможность Оксане сыграть несколько запоминающихся ролей в одном спектакле. Одна из них – это характерная завистливая гусыня, которая размашисто спорит с сестрой, стараясь не упустить из фокуса внимания другой центр притяжения: гуся Мортена, напоминающего о собственном желании выйти замуж. В «Умнике» персонажи Оксаны – женщины разного возраста и социального статуса, которых объединяет розовый цвет как символ внимания к Умнику, особенному человеку, – позволяют актрисе сыграть все оттенки человеческого сочувствия. Строгая на вид мадам из соцзащиты, сердобольная проститутка, старуха с ментальными проблемами и девушка-соседка – каждая по-своему находит в себе место для эмпатии.

Красота, рок и смирение – все это Вирджиния в спектакле «Эдгар По. Следствие», где режиссер и художник Амир Ерманов с помощью драматурга Анны Богачевой объединяет рассказ «Убийство на улице Морг» с биографией автора. Его жена Вирджиния обречена. Ильчук появляется здесь в разных ипостасях. Роскошная женщина с огромными черными крыльями, строгая виолончелистка со свечами на шляпе вместо украшений. Все это фантазия писателя, бросающего свои претензии реальности: там можно позволить себе быть в центре внимания. Оксане в финале удаются тихие реплики, в них нет обреченности и пафоса, они сказаны чрезвычайно просто – именно такие и запоминаются навсегда. Взгляд из мрачного становится легким, хотя на душе долгое время все еще тяжело. Важно облегчить жизнь Эдгару, ему и так не сладко.

Так получилось, что в репертуаре Ильчук важное место занимают роли матерей. Как все женщины с детьми, они хозяйственны, в меру замучены бытом, любят своих детей, но в силу обстоятельств вынуждены отдаляться от них. «Слон» по Куприну идет без слов, и Оксана играет свою героиню словно в немом кино. Рука с кружевным манжетном эффектно взлетает вверх, чтобы трогательная кисть в итоге припала ко лбу. Тонкий стан сгибается. Оксана работает в маске, огромной голове, и поэтому каждое движение тела, каждый жест, быстрый шаг выдает нервное состояние героини, но не ее повседневную суету. Лишь бы дочь была здорова, – и здесь героине повезло, она всегда в прямом и переносном смысле может опереться на плечо мужа: Иван Федосеев играет Папу готовым на все ради семьи.

В «Мучных младенцах» за маской и кукольной пластикой скрывается живой человек, который силой привычки заставляет себя скрывать реальные эмоции от сына. Мать подростка не хочет вспоминать, как и почему из семьи ушел отец. И даже когда приходиться открыться, маску не стоит далеко прятать, при первом же удобном случае она возвращается на место, лицо уже не может без маски, его хочется спрятать. Ведь весь мир вокруг такой, только у учеников и учителей вместо маски картонные коробки с нарисованными глазами и ртом.

«Волк и семеро козлят» – кукольная опера, и в ней Оксане Ильчук досталась партия «Скромной дивы» в роли Мамы козлят. Насколько скромными могут быть дивы. В кукле-маппете еще можно заметить утомленную походку и опущенные плечи, но все это от невозможности уследить за семью детьми и тяжелыми сумками с капустой. Но когда дело доходит до реальной опасности, актриса выходит из-за ширму на сцену и исполняет полный страсти танец самопожертвования. Красный шлейф в руках – словно выплеск энергии, актриса торопливо подает руку партнеру перед лестницей, пропускает его шутку, вот сейчас Козе как раз не до иронии. Несколько пафосно? Можно себе позволить. И в этом ее видимом отсутствии тоже, как ни парадоксально, заключается самоирония актрисы. 

Алексей Гончаренко

Поющий, верный, влюблённый – так можно охарктеризовать артиста МТК Дмитрия Заставного. Поступая на курс по специальности “актёр театра кукол” в Пермский институт искусств к Ольге Янкиной и Сергею Кудимову, Дмитрий думал, как и многие абитуриенты, что это так:  не в серьёз, не надолго. К мыслям таким располагала не только амбициозная юность, но и фактура –  высокий, стройный, обаятельный, поющий, – таких ребят обычно берут на драматический факультет. И он уж точно не заточен под ширму, где с его ростом можно работать, только согнувшись в три погибели. Так думал Дмитрий, но... что-то пошло не так, а  может быть, пошло как раз так, как должно быть.  Дима влюбился в профессию и преданно служит театру кукол и по сей день. 

Заставный – из тех артистов, с которыми партнёрам и режиссёрам в хорошем смысле комфортно работать. У него как у человека практически полностью отсутствует конфликтная составляющая, и довести его до фазы конфликта практически невозможно. Все свои трудности и переживания Дмитрий преодолевает молча, не выплёскивая проблемы, возникающие в работе над ролью, в окружающих.  Он – якорь благоразумия, в многообразии характеров труппы МТК.

Одной из знаковых работ для  Дмитрия Заставного стала роль Крабата в спектакле “Крабат - ученик колдуна” режиссёра Натальи Пахомовой.  Это тот случай, когда роль, которая идеально ложилась на актёрскую фактуру, совершенно не совпадала с психофизикой актёра.  Длинные руки и ноги предательски укладывались в красивые позировки в материале, в котором это было совершенно не уместно. К чести Заставного, он долго и скурпулёзно вытравливал из себя своё актёрское представление о себе. После многочисленных ролей сказочных героев и принцев в Пермском театре кукол для актёра это была не простая работа. Дима боялся неудачи, тело сопротивлялось, возрастные коллеги давали оценочные комментарии не самого корректного толка, на висках во время репетиционного процесса появилась седина – но он смог.  Выплёскивая страх в крик при исполнении одного из пластических номеров под рабочим названием “Посвящение”,  он не сдавался, а перекраивал себя, открываясь новыми актёрскими и человеческими гранями.

Роль случилась не сразу, а спустя полгода на гастролях на Ямал, где Дмитрию нужно было сыграть два сложных спектакля с полуторо-часовым перерывом. Он летел и говорил, что наверное “сдохнет”, – слово, не свойственное лексике актёра, но, тем не менее, это цитата. И вот в условиях вечной мерзлоты, стресса от перелёта, страха и ответственности за спектакль родился Крабат в испонении Дмитрия Заставного, который был абсолютно конкурентноспособен Крабату в исполнении Евгения Ильина. И это была большая актёрская победа. Вполне взможно, что без мистической составяющей здесь не обошлось. В финале спектакля Крабат спрашивает Певунью: “Как ты узнала меня?”, и получает ответ: “Я почувствовала твой страх – страх за меня”. Мне кажется, что Дмитрий Заставный из тех артистов, для которых страх, первичная неуверенность и сомнения являются двигателями будущей роли.  

Дмитрий плотно занят в спектаклях МТК. Помимо ведущих ролей, он один из тех, кому партнеры как никому  доверяют так называемые “помощи”. Ту часть работы, которая зачастую невидима глазу зрителя, но помогает вдохнуть в куклу жизнь. В спектакле “ Огниво” режиссёра Светланы Дорожко  Дмитрий помогат Евгению Ильину водить куклу Солдата в сцене драки с ведьмой. Исполнитель роли Солдата Евгений Ильин отмечал, что то, как делает помощи Дмитрий Заставный, – не делает никто. Внимание к деталям свойственно артисту. 

Дмитрий, как и многие в труппе театра, не боится задач со звёздочкой и ролей на сопротивление.  Его Эммануэль в спектакле “Умник” режиссёра Натальи Пахомовой – абсолютный антипод Заставного как человека. Грубый, наглый, самовлюблённый – в артисте эти качества отсутсвуют от слова совсем, но он смог присвоить характер, прописаный автором, и выразить в его в пластике непростой куклы, созданной художником Натальей Мишиной. При этом Заставному удалось вплести в интонации своего персонажа нотки искреннего участия к персонажу Александра Шадрина – Клеберу.

Отдельного внимания заслуживает роль Уолта Диснея в спектакле Алексея Усова “Встречи в Голливуде”. В партнёрстве с Александрой Капустиной и Екатериной Бодровой Дмитрий разыгрывает историю по мотивам киносценария  к фильму “ Спасти мистера Бэнкса”. Спектакль родился в рамках лаборатории мтк.next в период, когда Дмитрий и Александра переживали переход в категорию “средний возраст”.  Для Дмитрийя работа осложнялась не только принятием себя в новой возрастной категории, но и с внешними возрастными переменами – тема болезненная и для простых людей, а для  артистов с яркой внешнностью – особенно острая. И снова, молча, шаг за шагом, Дмитрий шёл к своей цели. “Если бы вы видели меня тогда – поджарый как гончая, резвый как скакун”, – говорит Уолт Дисней Памеле Теверс.  Для Заставного это текст очень личностный, в  нём звучит какая-то щемящая актёрская тоска и  ирония артиста по отношеню к  себе в професси.  Уолт Дисней как образ позитивного мышления  близок Дмитрию. Тем убедительнее ему удаётся найти актёрские пристройки в сценах  борьбы с Памелой Треверс  за мечту об экранизации Мэри Поппинс.   

Смирре-Лис  в спектакле “Путешествие Нильса с дикими гусями” – роль, которая досталась случайно, по стечению обстоятельств и по размеру костюма. Создавая кукольный мюзикл режиссер не внёс Дмитрия в основное распределение из-за особенностей вокальной данности артиста. При всей музыкальности Дмитрий Заставный обладает ярко-выраженной эстрадной манерой исполнения. Но это не остановило артиста. Он просто тихо приходил на репетиции, смотрел, как репетируют коллеги, и разучивал песни в гримёрке. Казалось бы, поёт и поёт. Когда выпускаются музыкальные спектакли, как правило поёт весь театр. Но в этот раз театр как будто услышал актёрскю мечту и обстоятельства сложились так, что в процессе репетиций Дмитрию пришлось встать в состав к Павлу Викторову, заменив Ивана Болгова, который выступал в роли композитора спектакля и из-за объёма работы над музыкальным материалом физически не мог ещё и репетировать роль Смирре.  

Мне кажется, что Дмитрий даже радуется, попадая во вторые составы. Его актёрские качества позволяют ему, наблюдая и анализируя работу партнёров из зала, выдавать на сцене результат другого порядка. Осмысленный, точный, запоминающийся, а, главное, свой. Даже в пластическом спектакле “Слон” Натальи Пахомовой,  Дмитрий в роли доктора Михаила  Петровича разительно оличался от своего коллеги Михаила Хлюнева, хотя оба они отбирались по фактуре. Художнику Евгении Шахотько была важна разница в росте между знакомым доктором и доктором незнакомым, а режиссёру важна была разность пластических данных. Тандем докторов в исполнении Дмитрия Заставного и Антона Чалыша вызывает улыбку и смех в зале как в сольных номерах, так и в сцене противостояния двух эскулапов.

Одна из немногих ролей, где Дмитрий играет перонажа близкого к самому себе – это Альбин, интеллигентный, с хорошими манерами и обострённым чувством прекрасного глава белого мышиного семейства в спектакле “Все мыши любят сыр” режиссёра Елены Плютовой. Но, как и в роли Эммануэля в “Умнике”,  Дмитрий привносит в своего героя черты, делающие его неоднозначным.  Лёгкая скандальность добавляет его персонажу человечности и подлинные переживания. 

Наталья Пахомова  

Две недавние роли актрисы оказались знаковыми. Это автор и редактор – персонажи, противоположные в своих устремления. Памела Треверс во «Встречах в Голливуде» и миссис Грэхэм в «Эдгаре По. Следствие». Создательница Мэри Поппинс борется за права героини быть самой собой, редактор «Убийства на улице Морг» нещадно правит текст писателя, открывающего новый жанр. Первая роль сыграна в живом плане, вторая – с куклой и в маске. 

Во «Встречах в Голливуде» Александра Капустина играет не Памелу Трерверс, а Хелен Гофф, ту самую девочку, которая скрывается за писательским псевдонимом. Вернее, не скрывается, а напротив, навсегда припечатывает себя именем отца, Треферса Хоффа, который умер от алкоголизма. Ей кажется несерьезным весь этот мир кино, постоянный веселый праздник. Но только она со временем может разглядеть за ним боль, похожую на свою. Треверс-Гофф появляется на велосипеде, и в финале уезжает на нем же. Легкое хулиганство спасительно. Привлекательность героини дает возможность Диснею привычно флиртовать, но в итоге сработает другое средство, искренний разговор, во время которого выясняется, что у двух «звезд» гораздо больше общего, чем они думают. По ходу действия Треверс теряет самообладание, но не теряет элегантности.

У спектакля «Встречи в Голливуде» непростая судьба. Александра Капустина, Дмитрий Заставный и Екатерина Бодрова показали эскиз «Треверс vs Дисней. История отношений» еще на первой лаборатории МТК.Next: не все случилось сразу, было несколько версий и подходов к материалу. Финальную поставили режиссер Алексей Усов и художник Светлана Усова из Саратовского театра кукол «Теремок», с которым МТК дружит. Наверное, у спектакля про таких людей и не могло сложиться все сразу и просто. Саша и ее партнеры проявили актерское терпения. И это удивительное качество. 

В детективном спектакле Амира Ерманова «Эдгаре По. Следствие» персонажами управляют вороны. Она стоят за рыжими куклами в рост человека и подробно следят за их пластикой и жестами. В случае Миссис Грэхем Александры Капустиной это уверенная опора ладонями на столешницу. Эти руки знают, что сейчас сделают с рукописью и какой ошеломительный эффект это произведет на автора. Страницы разлетаются в разные стороны.

Театральный жест выглядит упреком, но персонаж искренен в своей категоричности. Миссис Грэхэм оказывается невольным источником вдохновения для писателя, превращаясь в героиню «Убийства на улице Морг», чья кукла падает плашмя на сцену, буквально теряя голову.

Литература и кино в обоих спектаклях – не блеск и шик, а мучительный процесс, и дело не только в творческом поиске, а в том, что без личной драмы нет искусства. Обе героини в исполнении Александры Капустиной настаивают на своем, а потом идут на компромисс со своими партнерами-антиподами, но в этом нет проявления слабости, напротив. Героини очень разные, но их объединяет одно – это сильные женщины, которые отстаивают свои убеждения. При этом по ходу действия могут их поменять совершенно искренне. 

Актриса умеет их играть, несмотря на свою мягкость и женственность. Вернее, мягкость и женственность она превращает на сцене в сильные стороны своих героинь, одаривает их этими качествами, защищает, утешает. Хотя есть одно исключение. В постановке Юрия Уткина «Золушка» Мачеха –  яркая женщина, жесткая и сильная. И чем жестче и сильнее она ведет себя, тем с большим пониманием к ней относится актриса. Ее героиня в этом спектакле мачеха для Золушки, а для своих нелепых дочерей она же мать.

Матери – особое амплуа в театре кукол, и особое место среди ролей Капустиной. Это и Царица в «Сказке о мертвой царевне и семи богатырях», и Мать в «Аладдине», и госпожа Штальбаум в «Волшебном орехе», и миссис Отис в «Кентервильском привидении». Разные системы кукол, разные литературные первоисточники, разные режиссеры. Но есть общее для этих героинь, их цель – организовать счастье для главных героев. К слову «счастье» на сцене трудно отнестись адекватно, даже в спектаклях для детей, там его особенно легко спугнуть. Капустина почти не оперирует этим словом в своих ролях, а вот ее улыбка уверенно напоминает о его возможности.

Особняком в материнском репертуаре актрисы стоит недавняя роль Акки из Кебнекайсе (тут важно отметить, что режиссер Наталья Пахомова при постановке мюзикла использует вокальные возможности актрисы). В спектакле «Путешествие Нильса с дикими гусями» – у вожака гусиной стаи сложные отношения с людьми, ведь они могут быть опасны, но их лучшие качества стоит принять за образец. Мудрость и доверие. При всей своей человеческой теплоте Александра Капустина тонко чувствует стиль нордической литературы, ей близок ее эмоциональный градус. 

Алексей Гончаренко