Актриса Рыкунина 50 лет своей жизни посвятила Московскому театру кукол. Пришла, как рассказывает сама – по объявлению в «Вечёрке», и с тех пор никуда не уходила. И хотя, получив школьный аттестат, юная Рита мечтала об эстраде, попав в московский театр кукол, она ни о чём не пожалела.

Рыкунина с азартом служила театру в периоды его расцвета, и стойко переживала вместе с ним все периоды турбулентности. В 19 лет молодую Риту, или Маргариту – назначили заведующей труппы. Как юной актрисе удалось совмещать карьеру и административные обязанности – в голове укладывается с трудом. Труппа в тот момент насчитывала 68 человек, среди которых были заслуженные артисты, что должно было бы смутить Рыкунину. Но Маргарита, если и испугалась, то лишь на мгновение, и со свойственной ей педантичностью и куражом взвалила на себя эту нелёгкую, а подчас и неблагодарную работу.

В должности заведующей труппой Маргарита Васильевна проработала ни один десяток лет, не переставая при этом репетировать, играть, гастролировать. И как завтруппой ей не было равных. Она разруливала репетиции, разводила составы, обеспечивала равномерную занятость артистов, могла дать дельный совет режиссёрам по распределению артистов на ту или иную роль, но при этом всегда сохраняла тактичность и никогда никого из артистов не навязывала. В её голове, как в картотеке, всё было чётко. Характеристики артистов были внятными и безоценочными – только факты и ничего личного и лишнего.

За 50 лет работы в театре у Рыкуниной было множество спектаклей, и ещё больше ролей. Одна из них – совершенно особенная. Роль Папы в спектакле Л. Хаита «Каштанка и Слон». Жанр циркового представления позволил осуществиться юношеским мечтам Рыкуниной об эстраде. В образе отца девочки Нади, актриса перевоплощалась до неузнаваемости. Именно с этим спектаклем тогдашняя труппа Московского театра кукол объездила множество стран, а спектакль вошёл в золотой фонд театра. В концерте к 95-тилетию театра Маргарита Васильевна вновь примерила на себя образ из легендарного спектакля, выйдя на сцену в тандеме с артистом Иваном Федосеевым, который исполняет роль отца Нади в спектакле Н. Пахомовой «Слон». Рыкунина бережно сохранила костюм и реквизит одной из своих самых любимых ролей. Узнать в трогательном, растерянном мужчине с чаплиновской пластикой Маргариту невозможно. Актриса умело взяла в оборот все нюансы, которые продиктовали костюм и маска, и подкрепила это точной, эксцентричной пластикой, сумев при этом сохранить весь драматизм растерянного отца, дочка которого мечтает о живом слоне. «Дайте мне маску, и я сыграю всё, что угодно», – говорит Маргарита Васильевна сама о себе.

Маска или кукла – не имеет значения. Рыкунина одинаково трепетно относится ко всем своим ролям. С 2011 года она бессменный исполнитель роли графа Вишенки в спектакле А. Аладухова «Чиполлино». Исполняя эту роль много лет, каждый раз актриса привносит в неё что-то новое, да так, что, сидя в зрительном зале, хочется отвлечься от истории мальчика-луковки и узнать более подробно историю графа Вишенки. В этом вся Маргарита – она не может существовать в жёстких рамках долго, её фантазия в какой-то момент может взять верх над режиссёрским замыслом и занести актрису, как говорится «не туда», но это «не туда» говорит лишь о постоянном творческом поиске, «думаньи» над ролью, даже если спектаклю много лет.

Обладая низким звучным голосом, Рыкунина абсолютно неузнаваема в спектакле О. Минаечевой «Курочка Ряба» в роли бабки. Её бабка трогательна в заботе о деде и всех жителях известной сказки, к каждому персонажу у неё своё отношение, проявляющееся не только в интонациях и голосоведении, но и в точной работе с мимирующей куклой.

Если заглянуть за ширму, то становится понятным, насколько сложно артистам существовать в заданном художником пространстве. За ширмой не просто мало места: её высота такова, что приходится перемещаться на табуретках, чтобы соблюдать уровень кукол. Такая координация давалась не легко даже молодым артистам, но Рыкунина справляется с этой задачей наравне с молодёжью, при этом с юмором комментируя их общее незавидное положение.

Каждая из немногочисленных на сегодняшний день ролей Рыкуниной – запоминающаяся по-своему. В спектакле Б. Константинова «Поехали» её Кот Васька, друг и совесть Ваньки, ироничен и трогателен одновременно. В момент, когда Ванька выгоняет кота из дома, чувствуешь щемящую тоску. «Разлука ты разлука!», – поёт персонаж Маргариты Васильевны пронзительным голосом, и эти интонации заставляют и маленького, и взрослого зрителя испытывать те же эмоции, которые испытывает несправедливо выгнанный кот. И тем сильнее общая радость, когда Васька возвращается домой.

Даже её Варежкину из «Школы снеговиков» режиссёра О. Минаечевой – сочувствуешь, когда он «вляпывается» в леденцовую историю, столь жалобно и нелепо он причитает, так смешно, трогательно и по-детски пугается, – вызывая у маленького зрителя чувство отождествления себя с непутёвым снеговиком.

Рыкунина – актриса хоть и с характером, но не капризная. Она с радостью откликается на любые творческие предложения. Так её Агафья Тихоновна в эскизе лаборатории МТК.next по монопьесе А. Володина соединила в себе статную фактуру, низкий голос и трогательный хрупкий образ нарумяненной свёклой невесты. Актриса не любит живой план, чего, собственно, и не скрывает. В эскизе, появляясь на сцене в джинсах и рубашке (привычной для себя одежде), разгоняя звучным голосом всех собравшихся репликой: «Я – Агафья Тихоновна», актриса с нанесением грима и появлением фаты (которые и стали в эскизе той самой любимой Рыкуниной маской) моментально преображалась на глазах у зрителей, и её монументальная пластика становилась гротескно-девичьей, иронично-точной в рамках заданного образа.

Без Маргариты Васильевны не обходится ни одна Новогодняя компания театра. Её сказочные злодеи всегда имеют и чёткую мотивацию, и свои человеческие слабости.

Рыкунина из тех людей, кто обладает неисчерпаемым запасом энергии и быстротой реакции. У неё всегда и для всех найдется острое словцо или ироничный комментарий. Её энергии хватает не только на театр, которому она посвятила всю жизнь, но и на семью, сад и домашних питомцев. Широта души – ещё одно качество, присущее актрисе. Если уж осень, то в театре и яблоки, и сливы, и груши в избытке: Маргарита Васильевна везёт с дачи гостинцы своей театральной семье. Если уж собака – то четыре, а то заскучают двенадцать кошек, попугай и черепаха. А ещё Маргарита Васильевна пишет стихи, в которых лихо иронизирует на различные жизненные ситуации. А может быть в этом и есть секрет? Актриса словно запустила круговорот энергии. И чем больше она её тратит, тем больше её появляется, главное, расходовать с умом, не в пустую, а рационально.

Такие верные театру люди – уже редкость. Маргарита Васильевна всегда была со своим театром рядом. Всегда старалась и старается быть нужной и полезной здесь и сейчас, и уж если за что-то берётся, то делает это на совесть.

Наталья Пахомова

Персонажи Антона Чалыша требовательны к себе и окружающим, в чем-то чрезмерно. Это свойство исходит от самого актера. Не случайно Наталья Пахомова в спектакле «Синдбад-мореход» предложила именно ему роль Бурхана Рассудительного. Такая игра распределения в духе режиссера.

Подобное отношение к делу помогает Антону существовать в профессии на долгой дистанции. Почти 20 лет работу в МТК – это время тотальной смены команд, турбулентности в коллективе, переформатирования, творческих побед и экспериментов. И за это время не было такого, чтобы актер остался без ролей. Его личность – важная краска в актерской палитре МТК этих сезонов.

Возможно, впереди у Антона может сложиться карьера педагога, но он точно не спешит с этим. Интересно, что сейчас он часто и убедительно играет учителей. Или персонажей, склонных поучать. Среди них можно вспомнить, например, Владимира Ивановича Немировича-Данченко в «Гиньоле имени Станиславского». В руках Чалыша он, даже будучи перчаточной куклой, комической по своей природе, не теряет своей представительности и погруженности в дело всей своей жизни.

Мистер Картрайт, учитель из «Мучных младенцев» в исполнении Антона Чалыша, не упустит повода иронично поддеть ученика, напрямую взаимодействуя с аудиторией. В роли класса – зрители камерного спектакля Натальи Пахомовой «Мучные младенцы» по книге Энн Файн, которую режиссер инсценировала сама. Все персонажи носят на голове картонные коробки-маски, но у учителя – настоящая броня. Большая картонная коробка как будто от холодильника становится костюмом педагога, который год от года общается с самым отсталым классом. Тихий голос и семенящая походка не делают его персонажа слабым, он специально не делает ничего, чтобы испугать, напротив, он демократичен в проектной деятельности с учениками, но его инстинктивно побаиваешься. Понимание Картрайтом, с кем приходится работать, вызывает у него не сколько досаду и безысходность, сколько иронию, пусть и горькую.

Кажется, что прилагательное «педантичный» не вяжется со словом «талант», но у Антона именно такое дарование, склонное к щепетильности. Точная работа с куклой отличает все его работы. В юбилейной премьере театра «Волк и семеро козлят»/, кукольной опере в постановке Натальи Пахомовой, Чалыш играет две роли: козленка Реву и музыканта Соловья, кстати, тоже педагога. Оба персонажи обстоятельны и аккуратны, первый в своем нытье, второй – в подаче материала.Точные интонации и жесты даны, насколько это возможно, в мельчайших подробностях: постепенно в плачущих интонациях становятся слышны смелые нотки, и вот уже Рева проговаривается, что не испугался, когда его съел Волк. Проговаривается и тут же спохватывается: расстроил папу. Так взрослеют. А взмах крыльев Соловья точен как позиция дирижерской палочки, при этом в таком жесте персонаж не скрывает удовлетворения от педагогической победы и разрешает себе подчеркнуто властно продемонстрировать его ученику.

Даже зло в исполнении Чалыша не просто наказывающее, а поучающее. Тревога и забота – две составляющие характеров Чернавки в «Сказке о мертвой царевне и семи богатырях» и Домового в «Путешествии Нильса с дикими гусями». Оба персонажа трудолюбивы, отсюда немного сутулы в своем кукольном воплощении. Все должно следовать положенному ему порядку, даже когда этот порядок не совсем нравится самому персонажу. Чернавка бережно уходит в лес, поддерживая куклу Царевны. Домовой в образе ворона Батаки неустанно следит за Нильсом, фиксируя все нюансы его взросления.

Чалышу идут роли рассказчиков. Повзрослевший Кай в моноспектакле «Снежная королева» режиссера Майи Краснопольской пытается разобраться, как Герда смогла преодолеть все препятствия. Дроссельмайер в «Волшебном орехе» в постановке Натальи Лебедевой воплощает сказку в жизнь, с помощью подарков и намеков провоцируя крестников на необходимые действия. Но рассказчик – не всегда хозяин истории. И что-то всегда может пойти не так. Такие препятствия не то чтобы бесят, но неприятно озадачивают персонажей Чалыша. В приключениях – для них – не так много радости, как кажется.

Но все это не означает тотального серьеза сценического существования. Прищур актера может быть как всезнающим, так и самоуверенным. Например, Нильс исправился, и пусть осадок остался, стоит его расколдовать: так действует Домовой. Чувство юмора Чалыша не искристое и витальное, актер может позволить своим персонажам быть злым, но эта злость не мешает оставаться честными.

Алексей Гончаренко

Марина Мухаева – актриса, у которой с Московским театром кукол случился счастливый (пусть и с поправкой) роман. Сразу после окончания института молодая, музыкальная, энергичная, миниатюрная Марина оказалась в театре востребованной. Мари в «Щелкунчике», Герда в «Снежной королеве», Элли в « Волшебнике Изумрудного города» – все заглавные роли любимых детских сказок – достались ей.  Возможно, столь ранняя ответственность за сквозную линию в спектаклях (когда нужно не просто эффектно появиться в своей сцене, или в характерном эпизоде, а быть стержнем спектакля) и сформировали Мухаеву как актрису подробную, вдумчивую, смелую, слышащую, предлагающую. 

В период реорганизации МТК  Мухаева уходила из театра, но к обоюдной радости и театра и актрисы – вернулась. Исполнив роль Певуньи в спектакле Н. Пахомовой «Крабат, ученик колдуна», Марина начала новый путь на родной сцене. 

Певунья – единственная женская роль в спектакле, при этом возникающая на сцене лишь в финале. Перед актрисой стояла задача со звёздочкой –  за три появления, два из которых – это проходки с песней  через зрительный зал, выйти на финальную сцену, где её героиня готова принести себя в жертву за любимого. Та цельность, решимость и наполненность, с которой она поднималась на сцену в финале спектакля, завораживала зрителя и вызывала уважение у коллег.  Во взгляде Мухаевой была целая жизнь, прожитая «за кадром» спектакля. В партнёрстве с Евгением Ильиным в роли Крабата и Евгением Казаковым в роли Мастера Мухаева давала зрителю возможность пережить весь спектр эмоций, которые испытывала её героиня: любовь, страх, жертвенность, боль, веру, надежду. Всё то, что в ранней юности Мухаева выстраивала в спектаклях от сцены к сцене, следуя за сюжетом автора, идеей режиссёра, поступательно ведя зрителя от начала истории к финалу, –  в «Крабате» актрисе нужно было прожить и выстроить во время спектакля безотносительно партнёров. Помимо роли Певуньи актрисе приходилось делать так называемые «помощи», что значительно усложняло ей жизнь. Где-то незаметно проползти под тканью; где-то подняться на технический балкон для того, чтобы отбить на барабане ритмическую партитуру; где-то во время сцены надеть куклам маски и крылья; из костюма Певуньи переодеться в чёрный бархат, колпак, перчатки и обратно. Но ни разу актриса не вышла на финал, как это говорят, «пустой». За два часа спектакля и бесконечных переодеваний она умудрялась прожить всю историю Крабата и Певуньи, прописанную у Отфрида Пройслера. Роль Певуньи стала для Мухаевой достойным финальным аккордом в исполнении лирических героинь и ознаменовала переход актрисы в роли другого возрастного плана. 

Заглавных ролей стало меньше. Характерных и отрицательных – больше. И вот в спектакле «Волшебный орех» режиссёра Н. Лебедевой актриса исполняет уже не роль Мари, а роль Королевы Мышей. Её Мышильда не просто воплощение зла – Мухаевой удаётся сделать образ многогранным и человечным. «Материнская боль» является в исполнении актрисы мотивом для мести родителям принцессы Пирлипат.

Говоря о Марине Мухаевой, невозможно обойти вниманием бесчисленных Лисиц в исполнении актрисы. Можно только удивляться, насколько точно актриса попадает в маску каждой конкретной куклы и насколько все её Лисы разные по характерам.

Лисиц в исполнении Мухаевой просто невозможно заподозрить в чём-то плохом, и даже если хорошо знаешь сказку, в какой-то момент начинаешь отчётливо верить, что именно Лиса – сторона пострадавшая, настолько  точно  голосово, интонационно, музыкально актриса, играя Лисиц в разных спектаклях, плетёт свои сети.

Музыкальность – особое свойство Марины Мухаевой. Грузинские корни актрисы помогают ей и в этом смысле тоже выделяться из труппы МТК. Марина свободно строит многоголосия и не боится сложных музыкальных ходов, являясь опорой для менее опытных коллег. В спектакле Валерия Баджи «Маяковский детям» Мухаева поёт на родном грузинском языке. Она перевела партнёрам тексты песен, чтобы и они понимали то, о чём поют, но именно слушая пение Мухаевой, испытываешь ощущение бескрайности и невероятной цельности происходящего. Марина никогда не поёт просто ноты. Её пение осмысленно, прожито, пропущено через себя. 
Ария Акки из Кебнекайсе композитора И. Болгова в спектакле Н. Пахомовой «Путешествие Нильса с дикими гусями» заставляет зрительный зал плакать независимо от возраста, столько житейской мудрости, света, надежды и щемящей материнской тоски вкладывает в неё Мухаева. Актриса очень умело прикладывает свой личностный опыт к профессии. Акка в её исполнении ведёт Нильса не просто обратно домой, а как заботливая мать проходит с ним все самые сложные фазы пубертата со всеми его проявлениями. 

Её Крольчиха в кукольной опере «Волк и семеро козлят» диаметрально противоположна Акке. Не имея семьи и  крольчат, она выплёскивает своё раздражение на семерых козлят и невольно плетёт интригу, помогая Волку в его коварных планах. Из белой пушистой Крольчихи актриса мгновенно перевоплощается в существо озлобленное и коварное, а ещё через короткое мгновенье – в существо раскаявшееся. И в этих стремительных перевоплощениях нет пропусков. Каждый переход внутренне оправдан. При этом нельзя говорить о том, что создание каждой роли даётся актрисе легко. Марине Мухаевой «легко» было бы не интересно. Она ищет нюансы даже в хрестоматийно понятных вещах: примеряя и переосмысляя. Премьерные спектакли с ней лучше смотреть, начиная с четвёртого-пятого. Количество спектаклей, сыгранных на зрителя, делает роли в исполнении Мухаевой более точными, потому что она не останавливается после премьеры, а словно начинает новый подъем, в котором приобретаются ещё более точные нюансы. Отталкиваясь от зрителей и партнёров в режиме «спектакль» актриса приобретает хорошую уверенность, что обогащает её роли и позволяет делать их более многогранными. Премьера для неё – всего лишь начало пути.  

Открытая к творческому поиску, Марина – участница лаборатории МТК.next. Её Агафья, рассказывающая известный всем сюжет то на грузинском, то на русском языках,  запомнилась и зрителям и партнёрам по сцене. В паре с Екатериной Нахабцевой в ролях тёти Кати и тётушки Марины актрисы провели не один фестиваль на сцене МТК. 

Марина тот партнёр, которого сложно вывести из себя. Она всегда сохраняет здравый смысл, который соседствует с самобытным юмором и иронией по отношению к себе и к делу, которым она занимается. Мухаева в отличие от многих актрис не боится возрастных перемен, а с вызовом их принимает. Поправляя очки, называя себя «тётей Мариной», переписывая каждую роль в отдельную тетрадь, актриса продолжает с актёрским азартом каждый день приходить в театр, с которым у неё самый настоящий роман. 

Наталья Пахомова

Один из персонажей Евгения Ильина в Московском театре кукол назван Голос театра. В «Гиньоле имени Станиславского» режиссера Натальи Пахомовой на ширме суетятся перчаточные куклы Станиславского, Ермоловой, Щепкина и других гениев прошлого, а все происходящее комментирует ироничный все понимающий голос. Текст отталкивается от произведения Карла Чапека «Как ставится пьеса», и в интонациях актера заметен как предпремьерный нерв литературного первоисточника, так и твердое убеждение, что все в итоге сложится.

Другое воплощение духа театра Ильин сыграл в спектакле «Золотой ключик, или Приключения Буратино». По идее режиссера Олега Русова сказку разыгрывают бродячие актеры, и Евгений Ильин играет кота Базилио, пуделя Артемона и Карабаса-Барабаса. Плут, верный друг и уязвимый тиран – воплощение театральности, основных характеров комедии дель арте. Режиссер Светлана Дорожко ставит спектакль «Огниво» тем же приемом театра в театре, в этот раз силами бродячей труппы имени Г.Х. Андерсена, и персонаж Ильина здесь безусловный премьер. Благородство солдата – свойство его сценического амплуа, И добро у Ильина не менее твердое, положительный персонаж не теряет ноток уверенности, его голос всегда услышан и узнаваем во всех смыслах этих слов.

У Карабаса – свой взгляд на театр, старомодный, но принципиальный. История о Буратино делает из него зло. Так называемые отрицательные роли приходят к Евгению Ильину часто. Мастер в «Крабате – ученике колдуна» Натальи Пахомовй – зло уже абсолютное. Хотя в спектакле “Аладдин” Амира Ерманова актер делает еще один шаг, к персонажу, не понимающему разницу между добром и злом. Именно Джафар, а не Аладдин становится главным героем спектакля. Евгений Ильин играет его человеком с нечеловеческими страстями. Одна их запоминающихся сцен спектакля – свадьба Аладдина и Будур с яркими восточными танцами, во время которых переодетый Джафар сидит незамеченный на авансцене. Оставаясь наблюдателем он не бессмысленно ревнует, а уверен, что случится реванш. Наверно, в прошлом он мог любить, но гнетущее одиночество шаг за шагом привело его к гордыне и поражению.

Никто не вспомнит ни добрым, ни даже злым словом о Мастере или Джафаре после их исчезновения, забудут быстро. Персонажи Ильина часто одинокие, заслуженно или нет, исключительные, а поэтому исключенные. При этом в его актерском арсенале его уникальное умение играть настоящую дружбу. «Сказка с закрытыми глазами “Ежик в тумане”» в режиссуре Натальи Пахомовой – спектакль ансамблевый. И Евгений Ильин в роли Медведя не только проявляет тонкое чувство партнерства, но и играет трепетные отношения между персонажами. И это сильное чувство, близкое подлинной любви. Даже подсчет комариков предстает важным совестным опытом трех близких, хочется написать, людей. В спектакля для незрячих Медведь – большая кукла, который не только философствует и сумерничает, но и общается со зрителями, утыкаясь в них кожаным носом.

Евгений Ильин – артист, для которого важна логика текста, и он умеет донести ее. В нескольких спектаклей последних сезонов он играет рассказчика, вернее посредника между самой историей и зрителе, персонажа с правом и возможностью освоения авторского текста. Это не импровизированный интерактивный диалог с залом, а момент, когда зал слушает текст, обращенный непосредственно к нему. Таков Дюпен в «Эдгаре По. Следствие».

Трюк с появлением и исчезновением яблока в его руках, а потом с газетой, из которой при сворачивании выжимается вода – не заигрывание со зрителям, а со-настройка внимания и доверия. В спектакле Амира Ерманова по пьесе Анны Богачевой реальность писателя переплетается с его произведениями так, что нельзя сказать, кто ведущий, а кто ведомый, автор или его персонаж. Эдгар По в исполнении Александра Семенова переживает смерть жены на фоне отсутствия публикаций. Но до выхода книги персонаж уже родился и готов к сепарации от автора.

Логика не теряет силы даже в нереальные моменты. Заглавная героиня в спектакле «Каштанка» Амира Ерманова – огромный верстак: такой собака видит себя во сне, что уместно в окружающем мире столярной мастерской. Если бы она была человеком, то, наверное, подумала бы: «Нет, так жить невозможно! Нужно застрелиться!». В спектакле МТК есть актриса, которая в живом плане представляет душу Каштанки – Ирина Овсянникова. Она читает ее мысли. Но текст про «застрелиться» режиссер оставляет не ей, а вместе с пистолетом передает Евгению Ильину, который в партнерстве с Дмитрием Заставным, Александром Принцевым и Яковом Роткиным управляет огромной куклой Каштанки. В его руках голова, он корифей этого хора.

Есть у Ильина и комическая роль. В спектакле «Слон» Натальи Пахомовой по рассказу Куприна он играет Няню. Это ввод. Высокая нелепая героиня с ее маской не создавалась с расчетом на фактуру актера, но на удивление точно ей откликается. В немом кино попадаются такие дамы с вытянутым лицом, в котором застыло не удивление, а усталость от сострадания. Няня постоянно больной девочки нервна, поэтому постоянно всплескивает руками, а когда не всплескивает, капает себе какое-то успокоительное, после которого ее передергивает как болванчика. Няне не нравится ее удлиненная вертикаль, и она старательно ее нарушает, хотя бы наклоном головы. И Слон для нее – не как для всех. Не спасительно чудо, а нарушение распорядка и лишние люди, которые заваливаются зеваками и сопровождающими. Но вот хобот протягивает ей цветок, и этот жест примиряет Няню с действительностью. Дай Бог памяти, когда ей дарили цветы.

Минотавр – роль, которая родилась во время лаборатории МТК.Next как самостоятельная работа и была доведена Натальей Пахомовой до премьеры, Не просто миф, но баллада Фридриха Дюрренматта. Взгляд на античный сюжет автора-пессимиста из середины ХХ веке. В этой версии лабиринт зеркален, и существо, чудовищное дитя Посейдона и Пасифаи, видит свои отражения, не зная что они такое. И тогда он начинает ощущать себя из предводителем и богом.

Евгений Ильин появляется в начале спектакля из зрительного зала и аккуратно выходит на сцену, чтобы начать рассказ о существе, в которое ему предстоит вскоре перевоплотиться. Ноги постепенно обрастают шерстью, появление по очереди одного и второго копыта приводят персонажа сначала к хромоте, потом к тяжелому шагу, который уже четко и слаженно повторяют отражения. В финале Тесей в такой же бычьей маске наносит свой роковой удар, тело Минотавра падает. Последний авторский текст про прилетевших падальщиков актер произносит, снимая маску и неторопливо развязывая копыта-котурны. Аккуратно сложив костюм, он так же тихо, как и появился, уйдет в темноту зрительного зала. Познание, что такое жизни и что такое смерть стоит дорого, но эту цену уже заплатили персонажи Ильина. Теперь они приглашают зрителей в свой внутренний лабиринт, чаще всего в зеркальный. Но там актер остается внимательным проводником, чтобы в финале не просто не бросить зрителей, но всем вместе открыть выход.

Алексей Гончаренко