«Театральный проект 27» – независимый театр из Санкт-Петербурга, созданный в 2019 году продюсером Наталией Сергеевской. В команду она приглашает режиссёров, которым, как и ей, небезразлично то, в какой среде сегодня взрослеют молодые люди, с какими проблемами сталкиваются. Своими спектаклями и другими событиями создатели проекта показывают подросткам: театр – это не вынужденная необходимость, навязанная взрослыми. Это место, где можно высказать своё мнение. Это место, где твоё мнение интересно. Где рядом – люди, которые ищут ответы на те же вопросы, сталкиваются с теми же трудностями и ищут выход.
Резиденты «Театрального проекта 27» – Иван Пачин, Юлия Каландаришвили, Влад Тутак – схожи готовностью говорить с молодым зрителем на равных, не возвышаясь и не поучая. Для них нет «сложных» или запретных тем – всё важно: одиночество и беззащитность в критической ситуации; нежелание принять другого и травля; смерть и потеря близких; стремление к творческой реализации и связанные с этим трудности; бунт против правил и поиск своего пути.
Спектакль «Лис Peace»
Точкой входа зрителя в спектакли «Театрального проекта 27» всегда становится история человека. Это может быть история о ребёнке, который не избалован вниманием родителей, ищет друзей и сам, как умеет, познаёт этот мир и налаживает с ним контакт («Тоня Глиммердал» Ивана Пачина). Или история о счастье быть рядом с близкими, о дружбе и первой встрече со смертью (его же «Вафельное сердце»). В репертуаре есть два моноспектакля о буллинге. В одном случае это история мальчика, который подвергался травле в детстве, но смог выйти из этого и, уже будучи взрослым, превратил травматичный опыт в силу, осознав, что главное – это любовь, которая побеждает и страх, и смерть («Жирная Люба», моноспектакль Олега Липовецкого по его книге). В другом спектакле история подаётся от лица учителя, который переживал буллинг в детстве со стороны сверстников, а повзрослев – со стороны учеников («Тетрадь мщения» Юлии Каландаришвили). В обоих случаях острая тема подаётся через человечный взгляд на героев, через юмор и обретает своё разрешение.
Истории в спектаклях «Театрального проекта 27» во многом исповедальны. Но исповедальность эта лишена сентиментальности. Мысль в них ясна, сюжет предельно напряжён. В спектакле Юлии Каландаришвили «Лис Peace» актёр Иван Писоцкий удерживает внимание зрителей три (!) часа, и делает это мастерски. Он рассказывает о двух друзьях – мальчике и его лисе, которые пережили вынужденную разлуку на фоне войны. Абсолютно незащищённые, они искали друг друга. И нашли. И справились. Прямое обращение актёра в зал, рассказ от себя, от сердца – всё это придаёт терапевтический эффект этому и другим спектаклям проекта, в которых со зрителем не заигрывают, не пытаются веселить, но и не погружают в невыносимую рефлексию. Оживляя и показывая истории разных персонажей, постановщики бережно, с уважением помогают зрителю понять ценность сопереживания, ощутить радость от победы над обстоятельствами, вместе с героями обрести мир с собой и всем, что вокруг.
В уже упомянутом спектакле «Лис Peace» военные действия, на фоне которых происходит история, остаются за скобками. На первый план режиссёр выводит «войну» внутреннюю, душевную – с самим собой и за себя. Иван Писоцкий играет и мальчика Питера, и ли́са, и всех, кого они встретят на своём пути, преодолевая трудности, получая неожиданную помощь, обретая жизненную мудрость, которая выше страха, разочарований, обид, боли. Все персонажи проходят свой путь по-отдельности, но, ощущая невидимую связь, помогают друг другу идти там, где это казалось невозможным. Иван Писоцкий здесь – актёр-друг, актёр-сообщник, товарищ для зрителя. Он с ним на одной волне – не ниже, не выше. Не боится неидеальности, не скрывает волнения, которое становится неотъемлемой частью образа. Это волнение не имеет ничего общего с неумением совладать со своими чувствами. Напротив – это способность довести до предела переживания, осмыслить их, оформить в зримый образ. Актёр обращается к каждому зрителю лично, стремится достучаться до каждого, чтобы сказать: «Вы не одни».
Спектакль «Вафельное сердце»
Другая по настроению, но не по силе воздействия «Тоня Глиммердал» Ивана Пачина. Здесь всё тоже – в самое сердце. И тоже – с глазу на глаз, с нежной искренностью и бесшабашным, всепоглощающим детским задором. Евгения Ивашова (актриса Театра имени Евгения Вахтангова) играет девочку Тоню из норвежской деревни – безудержную фантазёрку с неуёмной энергией. Вот только разделить страсть к жизни ей практически не с кем: детей в деревушке нет, любимая мама – где-то далеко, в командировке. Есть только старый Гунвальд, добрый и тоже любимый. Но ему не решить всех «проблем» юного создания, которое без тормозов несётся навстречу жизни.
В «Тоне…» Иван Пачин остаётся верен подходу, который использует и в других своих спектаклях: он не делает сказку для детей, не пытается выдать взрослого актёра за ребёнка. Он просто рассказывает историю, в которой много радости, – и на глазах зрителей создаёт целый мир. Есть в ней, в этой истории, и второй план – одиночество главной героини, её несогласие с несовершенством мира. Тоня в исполнении Евгении Ивашовой ещё верит, что окружающую её действительность можно переделать, сделать лучше. И вера её не ведает страха и преград, потому что идёт от сердца. «Тоня Глиммердал» Ивана Пачина – пример того, как можно свободно, смело и безудержно радоваться жизни, даже когда грустно. А ещё это история про бессмертие, в которое мы верим в детстве, а потом, взрослея, забываем. Жизнь – сложная штука и часто болезненная. Но это не повод, чтобы не танцевать, не наслаждаться вкусным какао и не кататься на самодельном снегокате, ощущая пока ещё бесконечность этого тёплого счастья.
В «Вафельном сердце» режиссёр Иван Пачин продолжает близкий, доверительный разговор со зрителем. Без назидания, пафоса и избыточной рефлексии он подходит к сложным темам, которые перестают казаться сложными, когда звучат от лица ребёнка. Егор Строков здесь тоже не пытается походить на маленького. Его Трилле – это и он сам, и каждый сидящий в зале.
Спектакль «Сочинение про Джобса»
Искренность и исповедальность – черта не только моноспектаклей «Театрального проекта 27». В «многонаселённых» постановках принцип тот же, ведь у каждого героя там тоже своя история. А за каждой историей – свои мотивы, своя боль, мечты и разочарования.
Один из первых спектаклей «Театрального проекта 27» – «Сочинение про Джобса» Ивана Пачина – история о человеке, который хотел изменить мир. И одновременно – спектакль о замысле, о большой идее, которая ведёт тебя, понуждая искать новые решения, фантазировать, играть, ошибаться, оказываться никем не понятым, но всё же идти дальше. Это история о выдумщике и творце, гениальном, самоуверенном и уязвимом – о состояниях, которые есть в каждом человеке. Конкретная биография конкретного человека становится в «Сочинении про Джобса» отправной точкой, приглашением к разговору о семье, о хрупкости и одновременно важности взаимоотношений между самыми близкими, которые вмиг могут стать самыми далёкими. Спектакль о человеке, одержимом мечтой, предлагает подумать о том, что «путь и есть награда». Но важно вовремя это понять и в погоне за высшей целью не потерять то, что уже есть, и что, возможно, гораздо важнее.
Ещё один спектакль об отношениях в семье – «Принц в корзине». Его режиссёр Владислав Тутак облекает в сценическую форму отчасти автобиографическую историю, в центре которой – конфликт отцов и детей. Отца – холодного, отчаявшегося, мечтавшего о спортивной карьере, а теперь прожигающего жизнь в разочаровании и одиночестве, играл Михаил Ложкин. Играл трагически, глубоко и пронзительно (сценическая судьба его персонажа во многом перекликалась и с его личной историей). После эта роль перешла Ивану Трусу. Роль сына, который не хочет повторять путь родителей и выбирает творческую профессию, исполняет Валерия Ледовских, выписывая линию своего персонажа местами резко, но уверенно, убедительно и максимально честно. Любовь Яковлева играет мать, которая хочет счастья для сына, но своего счастья так и не нашла. Условная манера существования актёров, выбеленные лица, костюмы словно из шекспировского «Гамлета» усиливают ощущение всеобщей «игры» – это игра в семью, игра в любовь. Не поддерживает её только сын, который пытается доказать свою правду и право на свой путь, чтобы растопить лёд в этом холодном царстве.
В финале режиссёр даёт слово каждому герою. Окончательно потерявшие связь друг с другом, они – уже без игры и масок – расскажут о том, что их мучает, о чём они мечтали и как эти мечты разбились о реальность. Монологи высвечивают истинные причины жестокосердия и обид. И вдруг окажется, что всё не так безнадёжно. Что это не маски, не герои трагедии. Это просто люди, которые хотят жить в мире с собой, друг с другом, хотят любить, хотят верить. И могут! И в темноте замелькает надежда на то, что всё ещё можно исправить, исцелить, склеить. Если только герои на это всё-таки решатся.
Спектакль «Ключ от 505-й»
Ещё один связанный с личной историей спектакль – «Ключ от 505-й». Его сюжет тоже отталкивается от фактов биографии – на этот раз режиссёра Дмитрия Мулькова. В постановке он соотносит свои воспоминания о школьных годах с сегодняшним днём, со своим мироощущением. Вместе с драматургом Ларой Бессмертной он создаёт не умозрительную, а конкретную, соприкасающуюся с реальностью историю о подростковом бунте. Не «бессмысленном и беспощадном», но естественном и необходимом. Спектакль о дружбе трёх школьных друзей, создавших музыкальную группу, затрагивает вопросы самоопределения, самовыражения, поиска своего места. Во внимательном и вдумчивом взгляде Дмитрия Мулькова на тему взросления, в самом факте обращения к этой теме много человечности. А также понимания, что подросток – человек без кожи, которому больно соприкасаться с внешним миром. И которому можно помочь это пережить. В том числе средствами театра.
«Ключ от 505-й» – спектакль о борьбе за свободу творческого высказывания, своей позиции – не даёт прямых ответов. Но в очередной раз, как и другие спектакли «Театрального проекта 27», разрушает стену между зрительным залом и сценой. И дело не в формате рок-концерта, в который режиссёр облекает действие и смыслы, – дело в интонации и позиции открытости. Постановщики обращаются к зрителям не с посылом «мы сейчас научим вас жить». Они словно говорят: «Мы – такие же, как вы. У нас нет готовых решений, но есть желание задавать вопросы и искать ответы». Эта открытость к диалогу, к поиску смыслов на территории театра вдохновляет, даёт силы двигаться дальше, не сдаваться и верить в возможность борьбы с несовершенством мира созидательными силами, не боясь ни бунта, ни максимальной искренности.
Спектакль «Лина-Марлина»
Всё это есть ещё в одном музыкальном спектакле «Театрального проекта 27» – в работе Романа Бокланова «Лина-Марлина» по книге Кристины Кретовой. История взросления, творческой реализации и поиска своего места подаётся в виде сказки о подводном мире, населённом русалками и морскими монстрами. Главная героиня, русалка Лина, обладает талантом пения, а ещё – неудержимым желанием «петь своё», выражать свой внутренний мир, а не то, что от неё хотят услышать взрослые. Но всё меняет потеря любимой матери. Горе утраты и непонимание с отцом заставляет русалку покинуть дом, оказаться за стеной, ограждающей русалочий город от монстров, и узнать, что «монстры» – совсем не то, о чём ей рассказывали взрослые… Это спектакль о бесполезности страхов и пользе бесстрашия, о материнской любви, которая сильнее смерти, о том, что поиск себя – это и приключение, и испытание. А ещё это невероятно красивая сценическая композиция, сотканная из света, лучей, рассыпающихся в стороны от диско-шаров и «волшебных», символизирующих подводный мир, декораций. К реальности спектакль приближает экран, на который выводятся крупным планом лица персонажей в моменты их переживаний, укрупняя и без того объёмные чувства и эмоции. Это спектакль, которые хорошо не только смотреть, но и слушать, для которого Васса Бокова, исполнительница роли Лины, сочинила песни и исполнила их, для которого дизайнеры из Москвы создали уникальные авторские костюмы. Это во всех отношениях рукотворный, хрупкий мир на самой глубине моря – и одновременно в глубине сознания каждого из нас. Мир побеждающего света и красоты.
Спектакль «Краш в сердце»
«Театральный проект 27» – это искренность, человечность, открытый диалог. Это смелость и бесстрашие. Это вера в чудо. Это процесс, который важнее результата. Это протест против серости. Это вызов самому себе.
А ещё это поиск способов взаимодействовать со зрителями и общаться с аудиторией самыми разными способами. Спектакль Юлии Каландаришвили «Краш в сердце» похож на прохождение настольной игры подростками. Вместо персонажей – картонные Он и Она. Задача игроков (зрителей) – сделать так, чтобы персонажи встретились. Для этого нужно выполнять задания из карточек, в которых описаны знакомые всем ситуации, и отвечать на вопросы. Как признаться кому-то, что он тебе нравится? Что делать, когда вы встретитесь? Как действовать, если тебе нужна помощь, а помочь некому? Эти и многие другие вопросы подростки обсуждают вместе с проводниками, роль которых исполняют актёры. «Краш в сердце» – это про жизнь. И про то, что из любой ситуации есть выход.
Ещё один нестандартный спектакль «Театрального проекта 27» создан по методике «Театр горожан». Суть его в том, что непрофессиональные артисты (собственно горожане) выступают соавторами и актёрами. Невидимые ранее, они получают голос и возможность высказаться. Для спектакля «Педсовет», созданного по этой методике, команда «Театрального проекта 27» (при поддержке режиссёров проекта MOÑ из Казани, которые давно занимаются «театром горожан») собрала личные истории учителей и проанализировала, какие темы, проблемы, вопросы в этих историях ключевые, какие точки – самые болевые и как привлечь к ним внимание зрителей. Монологи учителей и интерактивные взаимодействия со зрительным залом постепенно подводят к мысли: у педагогов нет сообщества, каждый справляется со своими проблемами в одиночку. Функцию такого сообщества мог бы выполнить тот самый педсовет, но, по факту, там только ставят задачи и говорят о недочётах в работе – возможности высказаться и получить помощь там нет. Такую возможность даёт спектакль. Выявляя проблемы, невидимые большинству зрителей, он создаёт ситуацию сопричастности, соучастия, совместного размышления о том, о чём в обычной жизни мы бы вряд ли стали думать. А ещё этот спектакль оставляет надежду и веру в людей. В будущем по этой же методике планируется постановка с участием врачей.
«Театральный проект 27» сейчас строит свой дом. Это будет место, где подростки смогут ощутить себя немного более свободными от проблем, неуверенности в себе, одиночества, где взрослым будут важны их мнения и чувства. В такой среде по-другому думаешь, по-другому чувствуешь, хочешь включаться в эту жизнь и менять её, потому что веришь – это возможно. Пожалуй, сейчас это жизненно необходимо: строить новое, создавать новое и не сдаваться, как это делает команда «Театрального проекта 27».