Театр на вырост

В Санкт-Петербурге завершился XVIII Всероссийский фестиваль театрального искусства для детей «Арлекин» и объявлены результаты конкурса на соискание театральной премии в области театра для детей и молодежи.

Многие спектакли в программе фестиваля этого года были выпущены уже в условиях пандемии, но, несмотря на все сложности, восемнадцатый «Арлекин» состоялся и представил с 6 по 15 июня гостям, критикам, членам жюри и петербуржским зрителям постановки, которые не только представляют лучшие достижения в области детского театра сегодня, но и пытаются сформулировать, каким он будет завтра. «Арлекин» как театральная премия не первый год берет курс на поиск и эксперимент, ищет не просто интересные и современные постановки для детей, но и те, что предлагают новые способы коммуникации со зрителем.

В программе этого года были представлены очень разные форматы и жанры — от бэби-театра и камерных представлений театра кукол до масштабных музыкальных постановок на большой сцене. Но каждый отобранный на «Арлекин» экспертным советом спектакль предлагал зрителю немного вырасти над собой, поразмышлять на сложные темы или познакомиться с новым театральным языком. Таким образом, «Арлекин» не только помогает развиваться детскому театральному движению в стране, но и работает на воспитание нового поколения зрителей, готового к эксперименту и серьезному разговору.

Открыли программу фестиваля две постановки «взрослых» столичных театров — Малого драматического из Санкт-Петербурга и «Сатирикона» имени Аркадия Райкина из Москвы.

В МДТ-Театре Европы режиссер Яна Тумина, победитель одного из прошлых фестивалей и признанный лидер в области театра для детей, поставила повесть Дины Сабитовой «Где нет зимы». Рассказанная в книге история о поисках семьи и своего места под солнцем братом и сестрой, оставшимися сиротами, представлена на сцене с помощью анимации (графика Жени Исаевой, анимация Миши Сафронова), театральных чудес и тонких актерских работ, за которыми ходит в МДТ взрослый зритель.

Одним из персонажей спектакля становится условно показанный, но тем не менее очень живой дом (сценография Эмиля Капелюша). Три балки на чердаке старого здания дышат и взмывают в небо как птицы; опускаются почти до пола, когда герои оказываются в ловушке; возвращаются к уютному положению треугольной крыши, когда брат и сестра находят новую семью. Идея живого дома близка миру повести Дины Сабитовой, где есть «университетский домовой» и говорящая, но не всеми услышанная кукла.

В спектакле кукла Лялька существует в двух ипостасях — из фетра и пуговиц в исполнении художницы Киры Камалидиновой и во плоти в исполнении актрисы Марии Никифоровой, получившей в этом году премию «Арлекин» за лучшую женскую роль. В повести этой кукле отведена одна из главных ролей, но эпизод со спасением Лялькой девочки Гуль из мира фантазий в инсценировке Яны Туминой и Елены Покорской опущен, как и большинство приключений, выпавших героям во время их пребывания в детском доме. Главное внимание в спектакле уделено теме поиска дома и семьи. Спектакль решен в приглушенных тонах, костюмы Анис Кронидовой словно припорошены пылью, а во время попадания брата и сестры в детский дом они и вовсе теряют последние остатки цвета. Самые яркие краски появляются в другой реальности, когда бабушка и мама героев наблюдают за детьми из созданного по их пожеланиям цветущего рая. Вся постановка играется в спокойном и размеренном темпе, приглашая юного зрителя выключиться из суеты современного мира и задуматься на большие «взрослые» темы — об ответственности, одиночестве и поисках счастья.

Принципиально иную атмосферу — резкие интонации, яркую декорацию и быстрый темпоритм — предлагает подросткам постановка режиссера Нади Кубалайт по пьесе Керен Климовски «Мой папа — Питер Пэн» в «Сатириконе». В режущем глаза ярко-желтом мире-павильоне живут сливающиеся со стенами взрослые в таких же лимонно-кислотных костюмах (работа художника Дениса Сазонова). Они произносят свои реплики, как сломавшиеся механизмы, двигаются рвано и резко (хореография Александра Николаева). Среди них, благодаря потрясающей органике актрисы Алины Доценко (второй «Арлекин» за лучшую женскую роль), по-настоящему живым выглядит только семилетний мальчик, которому его папа однажды по секрету сообщает, что он и есть тот самый Питер Пэн из известной сказки.

Режиссер к героям пьесы прибавляет еще одного персонажа, Капитана Крюка в ярко-красном костюме, контрастирующем с однотонным миром спектакля. В его образе сливаются все страхи и тревоги героев, которые не помогает изгнать даже волшебное лекарство папы. Еще одной метафорой спектакля становится лифт, в синем сиянии которого периодически исчезают герои — и выходят после каждого перемещения немного изменившимися. Сложно сказать, падением или полетом оборачивается эта история для героя и его отца — режиссер, кажется, не намерена давать подросткам готового ответа от взрослых. Его придется искать самостоятельно.

Образ лифта становится важным для еще двух постановок в программе фестиваля. Вертикальные смыслы и обращение к большим философским темам подталкивает разных режиссеров к исследованию и воплощению этого образа на сцене. Для спектакля по пьесе Даны Сидерос «Черный апельсин» главный режиссер Челябинского молодежного театра Иван Миневцев и художник Юлиана Лайкова выбирают схожую со спектаклем «Сатирикона» монохромную стилистику и плоскую декорацию-павильон. Интересно, что обе пьесы вошли в 2019 году в шорт-лист конкурса «Маленькая Ремарка», партнера фестиваля «Арлекин». Но в челябинской постановке, в отличие от московской, используется не яркий, чистый цвет, а грязно-зеленый оттенок, знакомый каждому по школьным коридорам и подъездам. Цвет повседневности, замкнутости героев внутри их привычной картины мира. Оранжевые апельсины в руках героя чуть ли не светятся, такими яркими они кажутся на фоне однотонных декораций и костюмов. Точно так же выбивает из череды будней связанная с этими апельсинами неожиданная просьба дедушки об эвтаназии.

Пьеса Даны Сидерос поднимает вопрос о смысле жизни, но в отличие от в чем-то абсурдного и парадоксального текста Керен Климовски, получившей «Арлекина» за лучшую работу драматурга, в «Черном апельсине» подросткам предлагается более классический и четко сформулированный финал. И режиссер Иван Миневцев вместе с актерами хоть и рассказывает эту историю в современной визуальной стилистике, но использует приемы театра классического, стремясь к психологической достоверности. Лифт, как и возможность выхода из запутанной ситуации в семье героя, присутствует на сцене с самого начала, но только в конце спектакля приходит понимание, что пришло время нажать на кнопку вызова.

В игровой и камерной атмосфере опускается под землю еще один лифт, на этот раз с тремя шахтерами, в начале спектакля «Крот, который мечтал увидеть солнце» по сказке Александра Блинова в петербуржском театре «Кот Вильям». Режиссеры Алексей Шульгач и Диана Разживайкина определяют жанр постановки как «сказочную антиутопию», и им действительно удается построить свою небольшую вселенную вокруг лифта и нескольких деревянных конструкций, похожих на строительные леса. Спектакль получился очень цельный и лаконичный, с точными акцентами и запоминающимся музыкальным оформлением (его написали получивший в этом году «Арлекин» композитор Алексей Чуканов и автор песен Даниил Рабинович).

Голос «большого брата» из динамика указывает кротам на их место в мире, но тут же громкоговоритель оборачивается солнцем в представлении главного героя — крота, который мечтает встретить рассвет на поверхности. Преображаются и другие предметы, в дверях лифта оказываются прорыты норы и разыгрывается теневой театр, на темных сводах шахты появляется анимация поверхности (ее рисовал Иван Прохорович), а в руках одного из шахтеров оживает кукла: маленький и симпатичный крот. История о кроте рассказывается застрявшими в лифте шахтерами чтобы убить время, но в конечном итоге они сами вслед за героем своего рассказа получают приглашение в новый мир. И снова оказывается, что кнопка «вверх» на лифте всегда была рядом с ними. Спектакль «Крот, который мечтал увидеть солнце» запомнился всем участникам фестиваля и получил специальный приз жюри.

Философский подтекст и только кажущаяся простота спектакля театра «Кот Вильям» перекликается со спектаклем Канского драматического театра «Ежик и медвежонок. Лирические истории», получившим сразу два главных приза фестиваля — и статуэтку «Арлекина», и приз зрительских симпатий. Ни для кого не секрет, что короткие сказки Сергея Козлова обращены не только и не столько к детям, но становятся предметом глубокой философской рефлексии для людей всех возрастов. В спектакле Артема Галушина это подчеркнуто, прежде всего, в трактовке персонажей. Актеры не просто не играют в животных, а представляют человеческие типажи, пришедшие на сцену из мира «большой взрослой культуры». Ежик напоминает интеллигента-философа в рваном плаще, свитере и котелке, типичного героя «петербургского текста» русской литературы. Заяц — начинающий художник или поэт, попавший под обаяние Ежика и его мира. Медвежонок — оттеняющий их простодушный, наивный и добрый увалень в валенках, а таинственные и аристократичные Филин и Ворон словно сошли со страниц мистических романов. У героев свой мир и своя Вселенная, немного абсурдная, но уютная: речка, камыши, мостки и над ними большие, круглые, шершавые и теплые планеты-звезды, которые можно выловить удочкой с поверхности воды.

Иронично и тоже немного по-взрослому существуют персонажи спектакля по мотивам русских сказок «Лиса и Петух» Музыкально-драматического театра «А-Я» из Москвы. Развивающаяся по законам сказочного жанра история о том, как хитрая Лиса с третьей попытки схватила глупого Петушка, а друзья его спасли, дополнена в спектакле множеством акцентов, интонационных нюансов и деталей. Петушок не просто звонко поет, а готовится к серьезной музыкальной карьере, разучивает Гершвина и мечтает об электрогитаре. Лиса пускает в ход не только хитрость, но и женское обаяние, Кот и Баран отчетливо играют не просто старших товарищей, но «маму» и «папу» вопреки гендерной предопределенности сказки. Медведь постоянно отвлекается от охраны Петуха, но при появлении «родителей» тут же очень обаятельно и старательно изображает крайнюю вовлеченность. Целый спектр культурных ассоциаций — от советских киносказок до современных субкультур — приносит с собой в сказку Кикимора в исполнении Антона Юшкова. Так получается, что музыкальный спектакль для самых маленьких активно вовлекает в историю их родителей. 

Фестиваль этого года интересен попаданием в его афишу нескольких спектаклей большой формы, поиск адекватного и современного театрального языка для которых — головная боль всех ТЮЗов страны с их огромными сценами. Языком классического детского театра режиссер Екатерина Гороховская рассказывает на новый лад старую историю братьев Гримм про Гензеля и Гретель в Тверском ТЮЗе. Спектакль с подзаголовком «сказка для храбрых» не боится испугать юного зрителя, но при этом остается волшебным и эстетически наполненным: театральный ужастик щекочет нервы, рассказывая юному зрителю добрую и трогательную историю.

В образный и метафоричный мир восточной сказки погружает зрителя спектакль Татарского ТЮЗа им. Г. Кариева «Сказки Хикмета». Режиссер из Бурятии Сойжин Жамбалова объединила в спектакле два произведения турецкого поэта Назыма Хикмета, которые играются на татарском языке. В первой части разыгрывается история о разоренном падишахом-завоевателем мире, где по традиции сказки только младший из трех сыновей хранит в сердце огонек любви, но способен ли он в одиночку совершить настоящее чудо и заставить отца прозреть? Земля, опустошенная войной, изображена в спектакле огромными кусками истерзанного поролона (сценография Геннадия Скоморохова), герои пружинят на нем, безуспешно ищут равновесие и точку опоры. Во втором действии в притче «Влюбленное облако» мы видим совсем другую Вселенную — волшебный сад красавицы Айше, которым мечтает завладеть злодей Черный Сейфи (он же младший сын падишаха в первом действии и артист Эльдар Гатауллин, обладатель приза фестиваля за лучшую мужскую роль). Сад Айше полон чудесных существ и магических помощников, но главным защитником для нее становится влюбленное в красавицу облако. Эта история о силе и жертвенности любящего сердца разыгрывается немного абсурдно и эксцентрично, Айше выглядит и двигается как клоунесса, Сейфи похож на конферансье из мрачного кабаре, голубь и кролик, обитающие в саду, этакие стиляги с огромными кукольными головами (костюмы Надежды Скомороховой). Но над головами у героев уже не изрезанная в боях земля, а чудесный цветущий сад, и финальный аккорд спектакля — не отчаяние, а светлая грусть.

Без экспертного отбора был включен в конкурсную программу спектакль «НеZнайка. Лунный эпизод» по мотивам книги Николая Носова «Незнайка на Луне», поставленный «Первым театром» из Новосибирска, победителем прошлого «Арлекина». В футуристической постановке режиссер Павел Южаков дает совсем не детское истолкование главной советской антиутопии. Цветочный город вовсе не рай на земле, а серое царство идеологии и номенклатуры, но именно политическая, а не экономическая повестка становится самой важной и для Лунного города. Драматург Екатерина Гилева серьезно переписывает первоисточник: миллионер Спрутс из книги становится искусственным интеллектом, правящим миром Луны и воплощенным актрисой Кариной Овечкиной в виде прекрасной девушки с холодным голубым взглядом. В дивном новом, кислотном и мучительно ярком мире Луны, полном отсылок к антиутопиям из книг и кино, все персонажи словно по умолчанию уже находятся на Острове дураков, физическое попадание на который в финале кажется скорее актом «раскрытия» истинной сущности мира, рассеивания иллюзии «Матрицы». Неприятие любой лжи и двуличности, показного счастья, что на Земле, что на Луне, природная искренность Незнайки оказываются неудобны в обоих мирах. Сбегая от неправды в своем мире, герой борется с иллюзией счастья, воплощенной в образе Спрутса на Луне, но его победа и возведение в статус героя-спасителя обращается еще одним горьким поражением, новым лживым спектаклем. Постмодернистский микс из истории, литературы и массовой культуры получился очень зрелищным, но вместе с тем достаточно запутанным, рассчитанным скорее на диалог с начитанным взрослым, чем с подростком.

Еще один спектакль большой формы на фестивале – постановка Севастопольского театра юного зрителя по книге Энн Файн «Дневник кота-убийцы» с остроумным подзаголовком «КОТемпорари МЯУзикл» – обращается к уличной подростковой культуре и соединяет хорошую современную литературу, мюзикл и хип-хоп культуру. Очень серьезная заявка для театра и сложная, масштабная постановка для артистов и цехов театра сделана ярко, проникнута духом хулиганства и настоящим драйвом. За пестрыми комиксовыми костюмами (художник Евгения Платонова) и громкими музыкальными номерами (Анна Темная, Александра Крестова) в инсценировке Анны Агаповой немного теряется фабула и атмосфера книги, но детская аудитория спектакль принимает с восторгом, и, хочется надеяться, это именно тот случай, когда  после визита в театр ребенок захочет прочитать первоисточник.

Спектакль «Дневник кота-убийцы» — один из трех в программе фестиваля, поставленных режиссером Юлией Каландаришвили. Такой системный интерес к современному театру для детей и молодежи у молодого режиссера – явление нечастое и потому очень заметное. Призом за лучший актерский ансамбль награждена ее же постановка «Цацики и его семья» в Санкт-Петербургском театре «Суббота», уже вторая в репертуаре этого коллектива по повести Мони Нильсон-Брэнстрем. В основе камерного спектакля лежит очень понятный детям игровой прием, когда история одного насыщенного лета рассказывается в лицах и деталях лишь тремя исполнителями с помощью чемодана, набитого атрибутами отпуска и плавательным оборудованием, вокруг обычной шведской стенки. Режиссеру и артистам удается очень смешно и точно обыграть разные ситуации — от прыжка в море со скалы до школьной линейки. На этом спектакле от души смеются и дети, и взрослые, но самое важное — они смеются над одними и теми же шутками. Это по-настоящему семейный спектакль без возрастных барьеров. 

Помимо современной иностранной детской литературы от издательства «Самокат» (книги о Цацики и коте-убийце издаются в России именно у них), Юлия Каландаришвили переносит на сцену и современные российские пьесы для детей. Во внеконкурсной программе фестиваля участвовал спектакль Вологодского театра для детей и молодежи по пьесе Полины Бородиной «Настоящее неопределенное время» в ее постановке. По определению создателей спектакля — это «челлендж для семейного просмотра». В жанре спектакля, с одной стороны, скрыта отсылка к одной из тем пьесы – вовлеченности детей в цифровую реальность, но, с другой стороны, спектакль сделан очень сдержанными выразительными средствами и его лаконичный и метафорический театральный язык – не самый простой для аудитории. Художник-постановщик Евгения Платонова избегает иллюстративности и сказочной натуралистичности классического ТЮЗа. Одним из центральных и универсальных выразительных средств она выбирает пластиковые пакеты и соединяет ткань спектакля воедино мягкими декорациями, которые одновременно и подушки, и рюкзаки, и кресла. 

Но самым главным «челленджем» для фестивального зрителя стал спектакль по пьесе Керен Климовски и Олега Михайлова «Дорожный товарищ» в постановке режиссера Константина Рехтина в Северном драматическом театре имени М. А. Ульянова из города Тары Омской области. Достаточно жесткий текст о шведских старшеклассниках, где есть не просто тема буллинга в школе, а настоящие убийства, циничное манипулирование сознанием подростка, затронуты темы расизма, гомосексуальности, секса, алкоголя и наркотиков, поставлен в еще более жесткой манере.

На сцене разыгрывается «театр людей и кукол», где у каждого героя есть свой тряпичный двойник, которого по ходу действия будут бить, кидать и истязать под щелканье кнута жуткого кукловода. Выдержки из уроков кукольного театра, данные контрапунктом к основной истории сказки Андерсена, давшей название пьесе, в исполнении подслеповатой пожилой учительницы, не желающей видеть реальной жизни учеников, только усиливают трагическую обреченность героев. В профессиональном сообществе уже давно не принято говорить о существовании запретных для детского театра тем, но все же способ обсуждения на сцене сложных, страшных и противоречивых сторон нашей жизни должен идти с учетом возраста. Северный драматический театр предлагает постановку детям старше двенадцати лет, что кажется достаточно опрометчивым. Тяжелый и по языку, и по теме спектакль скорее напугает ребенка младшего подросткового возраста, вместо осознанной рефлексии может вызвать реакцию отторжения и неприятия. Мне кажется, что, несмотря на восхищение смелостью театра, который решился на постановку такого текста в эпоху распространения консервативных и ханжеских настроений в обществе, стоит все-таки принимать в расчет возрастные особенности восприятия и искать более сдержанную интонацию и средства выражения для аудитории 12+. 

Особняком в программе фестиваля стоит камерный, даже можно сказать миниатюрный, спектакль Театральной лаборатории Яны Туминой «Джинжик», взявший сразу несколько «Арлекинов». Этот спектакль — не столько поиск, сколько воплощение нового языка современного театра без возрастных, языковых и национальных ограничений. Рекордсмен восемнадцатого фестиваля по количеству наград и дипломов, в том числе и за лучшую режиссуру, получился одновременно лиричным и остросоциальным, трогательным и немного страшным, технически изобретательным и гениально простым.

Взяв за основу реально произошедший в Бразилии случай, создатели спектакля строят на его основе антиутопическую фантазию о будущем, где выброшенный на обочину цивилизации герой, старый и одинокий человек, находит опять же выброшенного на берег в нефтяном пятне маленького пингвина. Ежедневно этот человек обходит побережье в поисках хоть сколько-нибудь ценного мусора, который засоренный и зараженный океан извергает из своих недр, но неожиданно находит в обломках цивилизации самое ценное. Живое тепло сердца, искреннюю привязанность, избавляющие от одиночества и тоски даже в самых страшных обстоятельствах, обозначенных в спектакле механическим голосом некой цифровой сущности. В спектакле соединяются воедино впечатляющая работа света от Василия Ковалева, и видео от Кирилла Маловичко и Маши Небесной, внутри которых органично существуют куклы Киры Камалидиновой — все они заслуженно стали лауреатами фестиваля. «Джинжик» — это театр завтрашнего дня не только потому, что он рассказывает про будущее и использует современные технические возможности театра. Это театр абсолютной искренности и прямого диалога с сердцем зрителя, который чужд всякой фальши и целиком и полностью принадлежит миру большого взрослого искусства, хоть и понятен даже самому юному зрителю.

Пандемия все-таки внесла в программу «Арлекина» свои корректировки, и часть спектаклей конкурсной программы не приехали в Санкт-Петербург. Жюри смотрело на других площадках и на видео четыре постановки Лаборатория молодых композиторов и драматургов «КоОПЕРАция» из Москвы и номинированное на «Золотую маску» «Серебряное копытце» Анастасии Старцевой по сказке Павла Бажова Новоуральского Театра музыки, драмы и комедии, которое получило в итоге несколько наград фестиваля «Арлекин». Не смог пройти в рамках фестиваля и показ спектакля петербургского театра «Левендаль» «Буря волшебства». Но даже по видеоверсиям спектаклей понятно, что они также отвечают магистральной линии фестиваля, поискам новых форм в театре для детей и молодежи — будь то совмещение оперы и бэби-театра, чарующе красивое воплощение сложного шекспировского текста или современная подача традиционного фольклорного материала. А это значит, что эксперименты и поиски продолжаются, а их результат мы непременно увидим на следующих фестивалях «Арлекин».

Фестиваль «Арлекин» проводится при поддержке Министерства культуры РФ, Союза театральных деятелей РФ, Комитета по культуре Санкт-Петербурга, Санкт-Петербургского отделения СТД РФ, Благотворительного фонда «Арлекин».